La lunga notte delle stelle -And the winner is

Potete pensare e scrivere quello che volete, nel bene e nel male, ma l’assegnazione degli Academy Awards, rimane uno dei più importanti eventi culturali e mediatici del mondo del cinema e stanotte come ogni anno si ripeterà la magia della “lunga notte” degli Oscar.
Il battesimo degli Oscar ebbe luogo il 16 Maggio 1929 nella Blossom Room dell’Hollywood Hotel di L.A. L’atmosfera era magica, luci soffuse e 36 tavoli elegantemente apparecchiati e su ognuno di essi il facsimile in zucchero dell’uomo nudo con la spada che trafiggeva una pellicola.
La leggenda dice che una segretaria abbia esclamato “Ma assomiglia a mio zio Oscar!”
E così l’Oscar da 81 anni affascina generazioni di uomini, donne e bambini per quel insuperabile mix di raffinato sogno e “vil” denaro, che fa sognare ad occhi aperti colti e meno colti.
La notte degli Oscar è una notte magica che non si può fare a meno di guardare, anche se il vero cinofilo a volte non crede che i vincitori rappresentino la scelta più artistica e imparziale.
Ma se non ci si emoziona per film premiati, rimangono le star e gli abiti delle star da commentare.
Ma questa sfavillante manifestazione ha avuto ed ha anche la funzione di “cartina di tornasole” dei mutamenti sociali e di costume.
Basti pensare come il premio a Tom Hanks in Filadelfia abbia sdoganato il mondo gay, come abbia mostrato l’umanità disperata dei malati di Aids, come abbia fatto vergognare il mondo, per aver considerato questo terribile morbo, una “punizione” divina per chi si considerava contro-natura.
I tempi cambiano e l’Oscar si adegua, nel 1963 il premio a Sidney Poitier come migliore attore per “I gigli del campo” fu così commentato dallo speaker dell’epoca: “This is the firt nigger to win Academy Award” . Una simile affermazione ora, è semplicemente impossibile: chi avesse il temerario coraggio di farlo, sarebbe “espulso” dal consorzio umano.
Gli Oscar sono anche stati luogo di piccoli e grandi scandali, ad esempio la finta indiana che nel 1972 salì sul palco al posto di Marlon Brando che non ritirò il premio per protestare contro il modo in cui Hollywood trattava i pellerossa d’America.
Oppure quando nel 1973 la cerimonia si concluse con un fuori programma, David Niven stava presentando la Taylor, quando un uomo nudo si mise a correre come un pazzo nella sala esibendo un cartello pacifista. Il regista dirottò l’inquadratura per evitare l’immagine delle “grazie” del tizio nudo, in primo piano ai telespettatori e quando finalmente fu acciuffato e il pubblico smise di ridere, la Taylor potè proclamare “la Stangata” miglior film.
Anche le capriole di Roberto Benigni nel 1998 fecero scalpore, fu il primo tentativo della storia degli Oscar di raggiungere il palco, camminando sulle spalliere delle poltrone mentre molte star in piedi ridevano e Spielber aiutava Benigni nel suo numero d’equilibrismo.
La notte degli Oscar non è solo, gossip o glamour patinato è la sintesi perfetta del cinema come “fabbrica” di sogni, arte, costume e società.
Tanti, troppi i film che hanno ricevuto questo ambito premio.
Mi limito a ricordare quelli che più sono legati al mio immaginario di cinefila appassionata ma dilettante.
Via col vento
Rebecca la prima moglie
Casablanca
Eva contro Eva
Fronte del porto
Un uomo da marciapiede
Il Padrino e il Padrino parte II
Qualcuno volò sul nido del cuculo
Il cacciatore
La mia Africa
Platoon
Rain Man
Balla coi lupi
Il silenzio degli innocenti
Gli spietati
Schindler’s list
Braveheart
America Beauty
Il signore degli anelli
Million Dollar Baby
Questo anno la serata più importante del cinema avrà per protagonisti «Il curioso caso di Benjamin Button» di David Fincher con Brad Pitt, che si presenta con ben tredici candidature. «The Millionaire» di Danny Boyle, con dieci candidature, «The Reader», e «Milk» con otto nomination; ma anche «Frost/Nixon», che ha portato sullo schermo il «duello» televisivo tra il presidente degli Stati Uniti Richard Nixon e David Frost.
Vinca il migliore!
Aretusa

Lucien Lévy-Dhurmer e un percorso poetico-tematico

Lucien Lévy-Dhurmer è stato un artista enigmatico, probabilmente sottovalutato e poco conosciuto, ma di grande fascino. Nasce il 30 Settembre 1865 ad Algeri. Presto nel Sud della Francia inizia la sua attività come ceramista e decoratore. In seguito, dopo Parigi, visita l'Italia, rimane affascinato dall'arte Rinascimentale.

La sua pittura fu amata da Camille Mauclair, Gustave Soulier, Léon Tevenin. Negli anni 80 lavora nel laboratorio d'arti applicate di Clement Massier (Manufactures de Faiences). Nel 1896 esibisce i suoi primi pastelli, una delle sue tecniche preferite, in cui si assiste a una presa di distanza dall'Impressionismo, per aderire alla poetica visiva Simbolista, e Preraffaellita; nella produzione più tarda sfiorerà anche l'Art Nouveau. Muore nel 1953. Nell'ultima produzione novecentesca si distanzia dalle forme e stile tipici del Simbolismo incorporando stralci più ampi di paesaggio, anche se la visionarietà rimane una delle sue caratteristiche costanti. Si nota un'influenza da Odilon Redon, Gustave Moreau e dal belga Ferdinand Khnopff.
 

Lévy-Dhurmer era legato ai contenuti simbolisti francesi: nelle sue opere è costante la presenza di figure pittoriche 'finite', dettagliate, quasi realiste, ma avvolte in un alone di spiritualità che suggerisce l'indeterminatezza. Tra i suoi dipinti più famosi "Mistero-la Donna con la Medaglia" (pastello, 1896, Musée d'Orsay, Parigi - foto a sinistra in basso) che risente del Rinascimento italiano:

La donna è spesso presentata in maniera enigmatica, sacrale, Cfr. "Il Silenzio" 1895 (Louvre, Parigi - qui a destra), che si rifà a suggestioni arcane (teosofia, magia, tematiche Rose Croix), o nel dipinto posto in alto al centro, in una delle sue incarnazioni  dell'autunno.

La stessa atmosfera sospesa appare nel ritratto dello scrittore Georges Rodenbach (1855-1898) affine alla scrittura di quest'ultimo, dedicata al culto delle città morte e alle presenze misteriose che immaginava vi abitassero. (Ritratto di Georges Rodenbach, pastello, 1896, Musée d'Orsay, Parigi - foto piccola).

Il volto dello scrittore è incorniciato nel paesaggio retrostante della città di Bruges, tra canali, tetti aguzzi e sprazzi di architettura gotica. L'acqua del fiume di Bruges si confonde indistintamente nella figura dello scrittore, a sottolineare il clima onirico e l'alone indefinito.
Rodenbach fece parte del gruppo la nouvelle Belgique sosteneva la nascita di un'arte nazionale indipendente. Rodenbach poi a Parigi diviene esponente di quel filone letterario che dall'Ecole du Parnasse sfociò nel Simbolismo di Maurice Maeterlinck, visionario come l'opera di Lévy-Dhurmer "Medusa-Onda impetuosa" pastello del 1897 (qui sotto a destra) :

Georges Rodenbach compose poesie di tono elegiaco, servendosi dei paesaggi suggestivi della terra d'origine, le acque e la pace sospesa delle antiche città fiamminghe, un immaginario percorso segnato dall'anelito religioso e dalla dimensione intimistica e memoriale. Tra le raccolte poetiche: "La bianca giovinezza" (La jeunesse blanche, 1886), "Il regno del silenzio" (Le règne du silence, 1891), "Le vite racchiuse" (Les vies encloses, 1896), "Lo specchio del cielo natale" (Le miroir du ciel natal, 1898). Tra i suoi racconti una certa eco ebbe "L'idolo", (protagonista è la signora Desgenet, una sorta di dandy al femminile).

Tra le sue opere maggiori il romanzo breve 'Bruges la morta' (Bruges la morte, 1892), (da cui il quadro fortemente connotato di Lévy-Dhurmer) trasfigurazione della città fiamminga, denso di rimandi tra immagini interiori e luoghi. In Italia ebbe un'infuenza sui Crepuscolari e su Gozzano.

Rodenbach verso la fine della vita era parte del mondo culturale parigino, aveva rapporti coi Goncourt, coi Daudet, con Mallarmé. Da "Bruges-la-Morte", attraverso un dramma dello stesso Rodenbach "Le Mirage", mai rappresentato in Francia ma solo a Berlino nel 1909, Erich Wolfgang Korngold s' ispirò per il libretto della sua Opera, "Die Tote Stadt"/"La città morta", del 1920, andata in scena di nuovo di recente al Festival di Salisburgo, e in Italia qualche anno fa al Festival di Spoleto. Bruges la morte, che vediamo trasfigurata anche nel quadro, città della malinconia, può essere interpretata come il canto per una città, e insieme l'allegoria di una condizione culturale. Bruges era una città gotica, ex città fiorente, tra conventi, chiese, strade vuote, avvolti nella nebbia. La città fiamminga era stata tra le più ricche del Medio Evo, e ne restano testimonianze suggestive: un numero esorbitante di chiese e un intero pittoresco villaggio di conventi, denominati il Béguinage. Il prosciugamento naturale del fiume, che aveva reso importante il porto nei secoli medievali, aveva spento l'economia e la vita di Bruges. Rodenbach la descrive come una città deserta, popolata di ombre di monache, di memorie e immagini di vite che furono, che si specchiano in canali, in vecchi edifici stipati in vie medioevali strette, avvolte di nebbia, spesso bagnata da una continua finissima pioggia. Le campane sono il leitmotiv acustico del romanzo: rintocchi, suoni, sussurri, echi lontani in una dimensione acustica spettrale. Il libro riassume così l’immaginario del proprio tempo, ricorre anche il topos romantico-decadente del doppio (doppelgaenger). L'evocazione poetica della 'città morta' è il vero tema del romanzo, le edizioni dell'opera furono sempre volute con molte fotografie in b/n della città che fu, e il pittore simbolista belga Ferdinand Khnopff realizzò il primo frontespizio su richiesta di Rodenbach. Hugues Viane, il protagonista quarantenne, caduto in un autunno personale precoce (speculare a quello della città narrata) per la morte dell'amata moglie, inizia una sorta di culto dell'amata scomparsa. Nella città percorre sempre itinerari solitari, e arriva ad identificare la città con la moglie scomparsa. La sua casa diviene un reliquiario, nel salotto campeggia un ritratto della moglie, e conserva con maniacalità una ciocca di capelli di lei a treccia, di un biondo antico dorato. In seguito Hugues sarà affascinato da una donna (la ballerina Jane Scott) vista all'opera nel "Robert le diable" che sembra una sosia della moglie, e invece si rivelerà, nei modi e nell'aspetto, molto differente e brutale. Solo la morte (e l'uccisione del reale/brutale per far rivivere la trasposizione ideale) potrebbe riaffermare la somiglianza della nuova alla precedente compagna, e Hugues non avrà altro modo di recuperare l'immagine perduta che uccidere quella ritrovata. Questo romanzo e alcuni suoi temi ebbero fortuna nel 1900 da R. M. Rilke a Marino Moretti (il quale visiterà Bruges sospinto dal fascino del libro e dall'aura emanata dai ritratti, in un viaggio col pittore De Pisis: elementi del libro e del viaggio a Bruges si possono rilevare nel suo romanzo "La Casa del Santo Sangue") e anche in "D'entre les Morts" di Boileau e Narcejac, romanzo poliziesco da cui Hitchcock trasse il famoso Vertigo (La donna che visse due volte). Ugualmente Bruges come città-specchio di un'assenza, di un lutto, o come bellezza nell'assenza e nella sottrazione, ricorda in parte la Firenze depauperata per la morte di Beatrice, nella "Vita Nuova", e l'innamoramento per somiglianza è un topos già presente in Guido Cavalcanti per la giovane donna di Tolosa.

Autore: Josh

Splendore e decadenza dell'Impero Romano d'Occidente ( i mosaici di Ravenna)

Se andate al mio post precedente, potrete ammirare una foto di Re Magi in cammino per recare omaggi a Gesù Bambino. Non è un quadro o un affresco, ma il particolare di un Antico Mosaico di Ravenna.

Chi mi consigliò quella foto, ebbe un'idea felice. Si svolgeva in quei giorni, a Nova Milanese, una mostra dedicata a quegli Antichi Mosaici, il cui precipuo scopo era stato quello di accendere un faro su quell'immenso patrimonio storico-artistico, misconosciuto a gran parte degli italiani, me compreso.Coloro che, infatti, pensano a Ravenna, hanno in mente le immagini delle sue Basiliche e dei suoi Mausolei, viste però dalla parte esterna; senza magari sapere che il bello sta al loro interno. In tal senso, le Basiliche, i Mausolei, il Battistero andrebbero visti come scrigni: casseforti contenenti grandi tesori d'Arte. Ed è per il loro immenso valore interiore che l'Unesco ha voluto tutelarli, dichiarandoli Patrimonio dell'Umanità.
A distanza di un mese dalla conclusione, debbo dire che l'intento di quella mostra, voluta da Rosaria Longoni, assessore alla cultura di Nova Milanese,è stato raggiunto.
A questo punto, esco un attimo dal tema, per rivolgere un consiglio, e una critica, ai responsabili delle attività culturali dei comuni d'Italia, i quali lamentano, spesso e quasi tutti, le scarse risorse a loro disposizione per fare promozione culturale. Quello di Nova Milanese è stato un esempio tangibile di come a ciò si possa adempiere, senza spendere praticamente nulla. Per quel che ho potuto appurare, tale mostra, durata oltre un mese, ritengo sia costata pochissimo alle casse comunali, se penso al modo intelligente con cui è stata organizzata e diretta. E' stata infatti allestita e curata dalla Cooperativa Edificatrice di Muggiò, in collaborazione con il Comune di Ravenna e con il solo patrocinio della Città di Nova Milanese, che ha messo a disposizione un salone per il suo allestimento. Le gigantografie dei mosaici sono state create, con superba maestria, dalle leggendarie Edizioni Panini di Modena (più note per le figurine da collezione).

Nello spazio di circa 300 mq, sono stati esposti esempi perfetti di particolari dei mosaici provenienti dalla Basilica di San Vitale (foto in alto a destra) e del Mausoleo di Galla Placidia ( qui a sinistra).

La maestria della Panini deriva dal fatto che, stando in prossimità dei murali, si poteva avere l'impressione di toccar con mano le minuscole mattonelle, dalle dimensioni e dai colori più diversi, con cui furono creati gli splendidi mosaici.
Invito i lettori, che vogliano approfondire l'argomento Mosaici di Ravenna, a documentarsi via Internet. Voglio invece soffermarmi sull'impressione emotiva procuratami dalla gigantografia di uno dei mosaici principali della Basilica di SanVitale, che è stato presentato all'esposizione e riprodotto nell'immagine in basso a destra.

E' un gruppo di dignitari autorevoli e altolocati, dall'aspetto cupo, pensoso, severo, triste. Quasi l'immagine di persone che stanno presagendo e vivendo l'inizio di quel lungo periodo di "oscurità"che è stato il Medio Evo. Nei loro sguardi vi era già tutto il vissuto di un popolo estremamente travagliato; un popolo, un'intera umanità costretta a fuggire da Roma, prima, e poi dopo da Milano, sotto l'incalzare delle invasioni barbariche.
Soffermandomi invece sull'aspetto della bellezza e magnificenza di quei Mosaici, vi intravedo il tentativo di voler ricostruire, di voler tramandare ai posteri, i fasti di quello che era stata la bellezza della civiltà Romana, la quale stava per essere soggiogata, demolita e cancellata dai barbari. Ma, consci dei rischi e pericoli già intercorsi a Roma e a Milano, lì a Ravenna si volle costruire senza troppo sfarzo esteriore, quasi a non voler dare troppo nell'occhio. Al contrario di Roma e Milano, dove si fece largo uso di preziosi e costosi marmi (si pensi al Palazzo Imperiale di Milano, del quale non è giunto nulla fino a noi, che era stato costruito facendo arrivare via mare, via Po e via Vettabia, pregiati marmi fin dall'Africa Romana), a Ravenna si pensò di meno all'esteriorità. Mattoni grezzi (questo, almeno, è quel che è giunto fino a noi), poco o nulla uso di luccicanti marmi, almeno nella parte esterna. Ci si concentrò quasi totalmente alla realizzazione di splendori interni. Quasi a non voler ripetere le esperienze di Roma e Milano, dove, il passa-parola sullo splendore dei marmi aveva contribuito a far sì che avvenisse la calata di orde barbariche devastatrici, qui non c'è traccia di marmo; la bellezza e la grandiosità stanno tutte racchiuse all'interno di quegli edifici, solidi e ben costruiti.
L'analisi storica più approfondita di quei secoli, sarà oggetto di altri post. Qui, mi limito ad un accenno sul perché della scelta di Ravenna per impiantarvi la Nuova Capitale dell'Impero Romano d'Occidente. Essa è stata vista anche come una fuga dalla realtà da parte delle élite di allora, coloro i quali avevano in mano le sorti e i destini delle genti, lasciate in balia del proprio drammatico e ignoto destino.

Un quesito, e una provocazione, che mi sorgono spontanei, lo rivolgo alle élites e ai governanti occidentali di oggi: quanti secoli di travagli e quali traversìe dovettero subire, prima che avvenisse l'amalgama e l'assimilazione dei barbari alla civiltà?

autore: Marshall

René Magritte, il tranquillo sabotatore

Bello e casuale come l'incontro tra un ombrello e una macchina da cucire su un tavolo di sezione anatomica. Era questo il motto dei surrealisti raccolto e fatto proprio con toni poetici da René Magritte, detto il tranquillo sabotatore. Universi onirici, stupefacenti, spostamenti di significati e di significanti, Magritte svolge un tipico illusionismo onirico; illustra, ad esempio, oggetti e realtà assurde, come un paio di scarpe che si tramutano nelle dita di un piede o un paesaggio simultaneamente nella parte inferiore notturno e in quella superiore diurno, ricorrendo a tonalità fredde, ambigue, antisentimentali, quali quelle del sogno. Nei suoi enigmatici quadri crea nell'osservatore una sorta di "cortocircuito", già a partire dagli arcani e criptici titoli dei suoi dipinti. Sfida le leggi di gravità, con pietre in cielo che levitano come nuvole e nuvole che scendono per entrare in una coppa come panna e gelato. Accentua il carattere grigio della pioggia di città con una...pioggia di omini con ombrelli, bombetta in testa e impermeabili. Ma nonostante i suoi rivoluzionarismi visivi resta comunque un poeta. Certamente deve a De Chirico, padre della Pittura Metafisica, la sua ispirazione. Ma poi è una lezione che prosegue fino a trovare una sua cifra personalissima a suo modo ingenua e smaliziata, incantata e disincantata. Insieme a Paul Delvaux (un altro pittore che amo) è considerato esponente di grande spicco del surrealismo belga.

Tra senso e nonsenso

Nel senso di esistere è imperniata la condizione umana, trovare un senso logico, concreto, corrispondente al vero, al trascendente è bisogno primario dell’uomo. La continua ricerca di un equilibrio tra il sé e l’esternazione del sé, si configura in una parabola tra etica e utopia, come quintessenza del pensiero per scorrere tra la linfa del mondo. Ma dietro l’apparente tranquillità delle cose c’è il sogno, il presagio, lo spirito, il surrealismo con il suo spostamento del senso.
Il surrealismo non nega la realtà, la trasfigura, crea sconcerto e inquietudini, induce al mistero, all’enigma assai più della pittura astratta. Fondamentalmente i principi basilari sono due: gli accostamenti inconsueti e le deformazioni irreali. I primi, già spiegati da Max Ernst come “accoppiamento di due realtà in apparenza inconciliabili su un piano che in apparenza non è conveniente per esse" (il famoso motto dell'ombrello e della macchina da cucire).
Per libera associazione di idee si uniscono oggetti e spazi che non hanno niente in comune, distanti fra loro e appartenenti a contesti diversi. Ne risulta una visione di bellezza inedita, assurda, al limite del concepibile quasi, a voler frantumare le nostre certezze. Le seconde nascono dalla metamorfosi. Corpi, oggetti, forme rivelano la nature delle cose nella loro trasformazione in qualcos’altro. Caducità di uno stato transitorio che suggestiona la mente con inganni visivi, suscita sensazioni sospese tra l’apparenza della realtà e il suo profondo, e induce a riflettere sul divenire comprensibile e l’onirico, il mistero, l’impenetrabile.

Oggi forse questi "effetti speciali" ante litteram non ci stupiscono più di tanto, poiché il cinema di finzione con l'avvento delle tecniche computerizzate li ha fatti propri, così come il mondo della pubblicità che se ne è impossessato e li ha banalmente replicati. Ma è certo che vanno riconosciuti e conferiti l'onore delle armi e il diritto di primogenitura a questi grandi e visionari maestri dell'avanguardia surrealista. Anche perché da sempre l'arte precede scienze e tecniche e ne è in qualche senso la suggeritrice e l'ispiratrice inconsapevole.

Magritte è sonnambolico, abbandonato al sogno e alla mentalità infantile, quella che scorge mostri favolosi nelle nuvole spostate dal vento. Ma la sua pittura ci aiuta ancor oggi a osservare la realtà con occhio fatato, trasfigurandola. E allora due finestre luminose e un lampione acceso di una casa attorniata da uno specchio d'acqua in mezzo al bosco, ne fanno un maniero incantato dove tutti noi, moderni Pollicini, ci perdiamo e ci ritroviamo, tra il diurno del cielo e il notturno del lago e del bosco. Una scrittura visiva, la sua, così fortemente personalizzata, che afferma come in un urlo la sua inconfondibile individualità. Magritte è un pittore che si colloca "al di là della pittura". La attraversa e in un certo senso, la supera. Ma forse è proprio quanto voleva.

Mostra a Milano a Palazzo Reale dal 22 novembre al 29 marzo . Per INFO qui

Hesperia

Fabrizio De Andrè, poeta, menestrello e anarchico

“Non credo che sapesse quanto era amato: è stata una sorpresa per tutti; molti l’hanno scoperto dopo la sua assenza. I suoi testi esistono, la sua voce la ascoltiamo, ma la voce che conosco, quando mi parlava, mi manca tanto. Il suo mondo l’aveva dentro di sé.”

Le bellissime parole di Dori Grezzi sono il modo migliore per iniziare questo modesto tributo a Fabrizio De Andrè, poeta, menestrello e anarchico, che dieci anni fa ha salutato per sempre questo mondo, tanto bello quanto crudele, un mondo che amava profondamente e che ha raccontato nelle sue indimenticabili canzoni. Dissacratore del potere, dell’ordine costituito, delle ipocrisie, dell’arroganza, cantore appassionato e pietoso dell’umanità emarginata e sofferente: ladri per fame, assassini per amore, malati di cuore, matti, donne dai facili costumi, innamorati abbandonati, soldati morti in guerra.
Nei nostri cuori e nelle nostre menti danzano sulle note tristi della sua chitarra personaggi memorabili:
Miché assassino per gelosia che “s'è impiccato ad un chiodo perché non voleva restare vent’anni in galera lontano da te"

Bocca di Rosa donnina allegra che “portava l’amore sopra ogni cosa”.
Piero soldato altruista e sfortunato che dorme "sepolto in un campo di grano non è la rosa non è il tulipano che ti fan veglia dall’ombra dei fossi, ma sono mille papaveri rossi”.
Marinella “che sei volata in cielo su una stella e come tutte le più belle cose vivesti solo un giorno come le rose” e il suo principe “che non ti volle creder morta bussò cent’anni ancora alla tua porta”.

Lui è morto, ma ci ha lasciato un dono prezioso, la sua grande umanità, nessuno come lui è riuscito a trovare parole tanto intense e commoventi per raccontare storie di dolore, di morte, di disperazione, di degradazione, sondando tutti i sentimenti dell’animo umano, tutte le sue sfaccettature , dalle più sublimi alle più riprovevoli.
Per tutti però non c’è condanna, ma umana pietà, che è anche amore.
“Nella pietà che non cede al rancore, madre ho imparato l’amore” (Testamento di Tito)
Questa è la grandezza di Fabrizio De Andrè che nessun cantautore, per quanto bravo è riuscito ad eguagliare e che amo fin da quando adolescente, sognavo un mondo migliore ascoltando la sua dolcissima voce.
Fabrizio è stato più cristiano di molti frequentatori assidui di Chiese e sagrestie, lui non credeva in Dio ma amava la figura del Nazzareno, un Dio “capellone” che parlava con prostitute e peccatori, perché erano “gli ultimi” e avevano quindi, più bisogno della luce della fede. Così lui, ha dedicato agli stessi, la sua opera perché erano quelli che più avevano bisogno della luce della poesia. Una luce che non cambia il mondo, ma rende sopportabile il dolore, lo sublima e fa si che l’uomo l'accetti, come parte indivisibile della vita. L'altra faccia della felicità.
C’è una canzone in cui Fabrizio racconta se stesso, quella del suonatore Jones:
"In un vortice di polvere gli altri vedevan siccità, a me ricordava la gonna di Jenny in un ballo di tanti anni fa.

Sentivo la mia terra vibrare di suoni, era il mio cuore e allora perché coltivarla ancora, come pensarla migliore.

Libertà l'ho vista dormire nei campi coltivati a cielo e denaro, a cielo ed amore, protetta da un filo spinato.

Libertà l'ho vista svegliarsi ogni volta che ho suonato per un fruscio di ragazze a un ballo, per un compagno ubriaco.

E poi se la gente sa, e la gente lo sa che sai suonare, suonare ti tocca per tutta la vita e ti piace lasciarti ascoltare.

Finii con i campi alle ortiche finii con un flauto spezzato e un ridere rauco ricordi tanti e nemmeno un rimpianto".

No, non credo avesse rimpianti Fabrizio De Andrè, la sua vita l’ha vissuta appieno, facendo ciò che desiderava; come Jones capace di vedere oltre le apparenze, libero dal “filo spinato” del cielo e del denaro e con tanti ricordi e nessun rimpianto.
Infine un cenno per ricordate la sua vena dissacratoria, ironica e scanzonata, quella del “Gorilla”, “Il Testamento”, S'i' Fosse Foco (Sonetto Di Cecco Angiolieri), “Carlo Martello Ritorna Dalla Battaglia Di Poitiers”, e le canzoni in dialetto da “Creuza de ma’” a “ A Dumenega”, che però sono le uniche che non mi piacciono, della vasta opera del cantautore genovese.
Fabrizio ci ha lasciato, troppo presto, un cancro se l’è portato via, Dori Grezzi, dice che quando ha appreso la terribile sentenza, non ha battuto ciglio, forse era conscio che non sarebbe morto totalmente, una parte di lui sarebbe sopravvissuta, la migliore, quella che ci avrebbe lasciato una “goccia di splendore” e la consolazione che "è stato meglio lasciarci che non esserci mai incontrati” mentre lo ricordiamo lontano in un "vortice di polvere" a suonare, cantare, scrivere e a sfiorare il cielo "con il suo dito più corto".
Aretusa

La Dark Lady nel secondo Novecento tra cinema e musica

Terza e ultima puntata. Innumerevoli sono le incarnazioni della Dark Lady nella cultura e nelle arti del Secondo Novecento, grazie alla diffusione di nuove ondate di artisti (e) nel cinema, e dell'ampliarsi di questo stilema declinato con nuove sfumature: nella musica, nella moda, fin di recente, ai videoclip e alle performance artistiche più varie. Smarrita l'aura di irraggiungibilità divistica delle grandi signore del cinema muto, dissolto l'alone in bianco e nero del noir americano classico anni '40, dal cinema USA, abbiamo l'epitaffio davvero magistrale di un vecchio modo di fare cinema nero, che comprende una critica pesante alle falsità del cinema stesso nella prova sui generis di Bette Davis e Joan Crawford in "Che fine ha fatto Baby Jane?" di Robert Aldrich, un viaggio nel grottesco, nella follia, nel dramma della colpa e del ritorno del rimosso del 1962, un familienroman terribilmente perturbato con tratti gotici, eccessivi, grand-guignoleschi e crudeli.Un' incarnazione del tutto bonaria del tipo è invece Carolyn Jones (nel ruolo di Morticia) (foto in alto al centro) nella famosissima serie 'La Famiglia Addams' (di cui, anche un remake con Angelica Huston) con all'interno un po' d'ironia gentile sul topos della dark lady goticheggiante, nel suo mondo bizzarro e simpaticamente head over heels. Sempre negli Usa, gli anni 70 offrono film coloratissimi, introspettivi, di crisi, con una morale dura e amara, in cui la dark lady se presente, è meno fulgida, ed è solo una parte di un racconto corale, una tra i protagonisti; non tutto è incentrato su di lei e sulla sua fascinazione come nel caso di "Marlowe, il poliziotto privato" di Dick Richards del 1975 (da Raymond Chandler, con Charlotte Rampling). Il film stesso è un omaggio nostalgico e retrò ad un cinema anni '40 (a una letteratura, e a un tipo di donna) ormai sepolti nel mito delle origini del cinema; sulla stessa linea si può porre il bellissimo e disperato "Chinatown" (1974) di Roman Polanski con Faye Dunaway, "Il lungo addio" di Robert Altman del 1973, sempre da Raymond Chandler, all'insegna della disillusione, della perdita di senso e di valori dell'esistenza nella modernità. Tra le ancor più recenti generazioni, la fascinazione di un certo mondo, contaminato con il presente, riemerge anche in David Lynch, pur con gli opportuni spostamenti simbolici, principalmente in "Blue Velvet" (Velluto blu) (1985), interpretato da Dennis Hopper e Isabella Rossellini (qui nella foto a sinistra).

Riletture della Dark Lady sono dovute al mondo cinematografico francese: per la Nouvelle Vague un omaggio speciale è dovuto alla grande attrice Jeanne Moreau (foto a destra) nei ruoli di "Ascensore per il patibolo" del 1957 di Louis Malle (con la colonna sonora di Miles Davis), e nei bellissimi "Jules et Jim" e "La sposa in nero" di Francois Truffaut (1967), tratto da un racconto di William Irish.

Film diversi tra loro, che rappresentano solo un accenno della nuova femme fatale, che vantava già prima della Nouvelle Vague un'ampia rappresentatività traendo temi dai polar, dai romanzi polizieschi e neri, della serie noire, dal realismo poetico urbano, interpretati poi al cinema con uno stile personale, in grado di distaccarsi già alla fine degli anni '50 dal condizionamento del cinema americano degli anni '40,f ino a elaborare un universo di figure, tropi, storie proprie e profondamente... francesi.Come insegna "Lo straniero" di Camus "può farsi notte anche sotto un sole accecante e ci sono colori più neri del nero". La fittissima produzione 'gialla' e non solo di Claude Chabrol, gli 'esperimenti' di Jean Luc Godard, ognuno di loro con numerose attrici-musa (Stephane Audran, Anouk Aimée, Catherine Deneuve, Anna Karina, specialmente in alcuni ruoli) rappresentano anche un ripercorrere continuo e critico di questa tipologia del femminile, oltre che di generi cinematografici ormai storici. Sempre François Truffaut girerà a sua volta un nostalgico e ironico "Finalmente Domenica!" con Fanny Ardant nel 1982, in cui la dark lady...non c'è, nonostante un bianco e nero particolarmente sgranato (Nestor Almendros alla fotografia). La donna non è affatto pericolosa e si tratta in fondo di un divertissement "anti-noir", senza morale crudele né vera fatalità. Diversamente nella contemporaneità, un'attrice come Beatrice Dalle ha per anni sottolineato queste caratteristiche della sua immagine ("Betty Blue, 37° 2 le matin" di Jean Jacques Beineix, 1986, ennesimo ed eccentrico dramma di amore e morte).

Vera icona 'di genere' presente stabilmente in numerosi noir, horror, sarà invece nel cinema italiano e internazionale Barbara Steele (a destra)

Più dell'apparizione inquietante di Clara Calamai per Dario Argento in "Profondo Rosso" del 1975, Barbara Steele, di origine inglese, è la protagonista di molti film italiani,oggi finalmente ricordati e tenuti in grande considerazione, di eccezionale fattura e ispirazione. "La maschera del demonio" di Mario Bava, del 1958, dal racconto di Gogol. Recita poi con Vincent Price, attore di culto dell'horror, ne "Il pozzo e il pendolo" tratto da Edgar Allan Poe, nel 1961, di Roger Corman. Compare anche in "8 e 1/2" di Fellini. Diventerà la musa del cinema horror italiano con i successivi "L'orribile segreto del Dr. Hitchcock" del 1962, e "Lo Spettro" del 1963, di Riccardo Freda; "Danza macabra" e "I lunghi capelli della morte" del 1964 di Antonio Margheriti. Anche dopo un rallentamento della carriera, compare nel "Demone sotto la pelle" di David Cronenberg del 1975.

Nel mondo della musica pop e rock e dello spettacolo, va segnalata Nico ( a sinistra), prima, voce femminile, oltre Lou Reed, nei Velvet Underground (per cui canta l'indimenticabile "Femme fatale"), sviluppa una carriera solista particolare da musa sepolcrale del rock, dai testi visionari e atmosfere oniriche e glaciali (album "Marble index", "Desertshore", "The end", "Camera Obscura")

Siouxsie incarna la Dark lady gotica per antonomasia, in tematiche, stile musicale. Rinascendo dalle ceneri del postpunk dalla fine degli anni '70 dà forma finora alle sue visioni apocalittiche, con testi suggestivi, riferimenti all'esoterismo, ballate ipnotiche di passione e distruzione,una delle donne più copiate nel rock degli ultimi 30 (e oltre) anni. (album "Join hands" , "Ju Ju")

ma ancora...Diamanda Galas, soprano "sperimentale", dalle incredibili doti vocali e sceniche, dedica i suoi album a fasi particolari dell'ispirazione: cfr. "The divine punishment" con stralci dal Profeta Geremia, "Saint of the Pit" con testi da Baudelaire, Tristan Corbiere....come un'indagine su tutto il nero dell'esistenza. Da segnalare anche il suo concept-album "Defixiones-Will and Testament" dedicato al massacro dei cristiani armeni, ellenici, anatolici e greci operato dai Turchi all'inizio del secolo scorso, e per decenni insabbiato con pretesti vari.

Gitane, Demone vocalist dei mitici Christian death (album "Catastrophe ballet"), ora con attività solista, ha mescolato gothic rock con accenni soul e blues (da ascoltare l'ottima "Lullaby for a troubled man"). Una menzione speciale va per la poetica voce e presenza di Rose McDowall, già collaboratrice di Current 93, Coil, e di vari progetti musicali in ambito neofolk, oltre alla sua carriera nelle Strawberry Switchblades e Sorrow. Ancora Monica Richards e Faith & The Muse....

Insomma, a ben vedere la dark lady si è trasformata nel tempo, ora replicandosi, ora, contaminandosi con vari generi musicali, artistici, nelle arti visive e non ultimo anche nel fumetto d'autore.

Autore: Josh

La memoria storica dei Navigli a Milano e dintorni

Per chi abita fuori o lontano da Milano, i Navigli possono dire assai poco della loro carica attrattiva: per loro è come se non esistessero. E lo confesso: in parte, era stato così anche per me. Lo era stato quando scendevo a Milano e la percorrevo in lungo e in largo per adempiere alle mie funzioni di agente di commercio. Anzi, era capitato che a volte li avessi considerati come un ostacolo; come quando andavo dal cliente di via Meda, o dai clienti di Ripa Ticinese, o a quello del Buccinasco. E allora non avevo neanche granché tempo per fermarmi a rimirare le tante cose belle che ci sono a Milano. Le sto scoprendo e riscoprendo ora, man mano, da giornali, libri, guide; e ogni giorno scopro qualcosa di inedito. Così è forse anche più piacevole, per me, per la mia condizione; perchè così non devo battermi col traffico automobilistico e pedonale del centro città. Se Milano avesse mantenuto intatta almeno una parte dei Navigli interni e avesse mantenuto intatte le Mura Spagnole, oggi sarebbe una delle dieci più belle città del mondo (ma vorrei osare con tale affermazione che sarebbe la più bella città al mondo).

Sfortuna vuole che i Canali erano corsi d'acqua artificiali, e le Mura erano state edificate a difesa di una città che, nell' immaginario collettivo non esisteva quasi più. Oggi, invece, entrambe le strutture le sarebbero state molto utili! Ma purtroppo, gli uni e le altre, davano "fastidio" al nascente traffico automobilistico. Allora si pensò bene (anzi male) di smantellarli entrambe. Monza, almeno in un punto è stata più fortunata di Milano: il suo centro è attraversato da un fiume, e non dai Navigli come è stato per Milano. E a nessuno, a meno che non sia fuor di senno, verrebbe in mente di interrare un fiume, come invece hanno fatto gli amministratori di Milano, con troppa fretta, interrando la storica cerchia all'interno dei Navigli. Cominciavano a dare qualche problema e creavano intralcio al nascente processo di cementificazione. E così dal 1857, iniziarono lo smantellamento sistematico di ciò che sarebbe potuto diventare il monumento più bello e più significativo della memoria storica di Milano. L'ultimo atto di quella demolizione risale al 1981 quando fu interrrato il tratto di Martesana che passa sotto il Ponte di Leonardo, cui è legato un episodio, tra i più struggenti, dei Promessi Sposi. I monzesi, nonostante che il loro Lambro sia ridotto a un ruscello, ricordano le piene che hanno provocato gli straripamenti del 1976 e 2002. Il più disastroso fu quello del '76 quando, sotto una pioggia incessante, durata molti giorni, le acque del Lambro esondarono, creando una sorta di laghetto in quella fascia di territorio compreso fra Lambro e Lambretto. Si allagarono case e scantinati. Soltanto dopo circa un mese le acque si ritirarono completamente negli alvei del fiume. La Tipografica Sociale, che stampa e distribuisce Il Cittadino di Monza e che all'epoca aveva lo stabilimento in quel lembo di terra del centro storico, nel libro del suo centenario racconta molto dettagliatamente di quell'alluvione e dei gravi danni che lei stessa subì. La certezza e la casualità delle periodiche esondazioni pongono un sicuro freno a quanti potrebbero avere mire di manomissione sul Lambro cittadino. L'unico massiccio intervento sul percorso del Lambro, all'interno del centro storico, è stata fatto nel XIII secolo da Azzone Visconti mediante la nota biforcazione ad est del Duomo, per ragioni difensive. E' chiaro quindi che a nessun monzese di testa sana verrà mai in mente di intervenire sul corso del fiume Lambro anche se, come detto, esso ha una portata d'acqua molto bassa, soprattutto nei mesi estivi e invernali. Ciò nonostante, riesce ugualmente ad attrarre mète di turisti lungo il suo corso cittadino. E se volete farvi una pur grossolana idea di come potrebbe tornare ad essere Via Senato a Milano, qualora si ripristinassero i Navigli interni, non dovete fare altro che programmare una gita domenicale in quel di Monza, magari nella bella stagione, tra aprile e ottobre, e fare una passeggiata lungo Lambro, che dista appena cento metri dal Duomo. Mettendosi sul Ponte dei Leoni, con la faccia rivolta all'Arengario, il Lambro vi offrirà due aspetti diversi: a sinistra, ancora allo stato brado; a destra, incanalato in un manufatto cementizio. Procedendo a sinistra s'imbocca la stretta Passerella esclusivamente pedonale dei Mercanti che costeggia il fiume per circa duecento metri, potendo ammirare da vicino il fondale e le sponde. Arrivati al ponte di via Colombo, lo si scavalca passando alla riva sinistra del fiume. Percorsa via Spalto Piodo si raggiunge Via Azzone Visconti da dove si vedrà come emergere dall'acqua la Torre Viscontea, e il fiume che le scorre sotto. A destra del Ponte dei Leoni, ci si incammina per via Gerardo dei Tintori fino a raggiungere un antico e grazioso ponte settecentesco, il Ponte di San Gerardo; nei suoi pressi, il complesso immobiliare che un tempo era stato il più antico ospedale della città, l'Ospedale San Gerardino.

Nell'ultimo secolo aveva subito alterne vicende (abitazioni, caseificio, magazzini ecc.). Finchè venne restaurato ad opera del Comune, tra il 1996 e 2004, e riportato all'antico splendore di chiesa ultrasecolare con il vecchio edificio ospedaliero, ora trasformato in oratorio. Nei suoi paraggi si potrà ammirare una vera chicca, monumento di archeologia industriale, unico nel suo genere, raro e invidiato da molti: l'Antico Mulino Colombo divenuto frantoio nel 1871 e passato a proprietà comunale dal 1987. Restaurato dalla Città di Monza, è solo grazie all'estro e alla vitalità di Antonietta Colombo se è giunto integro fino a noi, tramandandoci la memoria di tre secoli di storia dell'arte molitoria. In prossimità del Ponte di San Gerardo, il Lambro mostra angoli d'inconsueta bellezza: broletti, verandine, balconcini creati sopra, a ridosso, a sbalzo o di fianco al letto del fiume. Ma essi vanno assaporati camminando con lentezza, senza fretta.Pensate quale attrazione turistica avrebbero i tre mulini del Tombone di San Marco, a Milano; oppure l'antico Forno delle Grucce, forno storico milanese ricordato già nei Promessi Sposi. E se per così poco riuscite ancora ad emozionarvi, provate ad immaginare cosa sarebbe Milano se fosse ancora circondata dalle sue possenti Mura Spagnole. Saremmo all'apoteosi della memoria storica; e Milano non avrebbe rivali al mondo, quanto a bellezza. Ma questa è un'altra storia...

Pensate invece a come è stata mal-trattata la Basilica di Sant'Eustorgio,almeno fino all'Epifania dell'anno scorso, quando Riccardo, un blogger gallaratese innamorato dell'Australia, m'aveva fatto una segnalazione che mi aveva sconcertato. In questa storica basilica sono conservate le reliquie dei Re Magi. Una piccola parte di quelle reliquie che erano state trafugate dai Germanici. Dopo secoli di insistenti trattative, ci sono state finalmente restituite, in esigue parti, dai tedeschi di Colonia (bontà loro!). Esse sono interamente conservate nella loro Cattedrale cittadina, da quando Federico Barbarossa le aveva trasferite, dopo il trafugamento da Sant'Eustorgio, prima che ordinasse di radere al suolo Milano. Era il 1162. Si disse che lo fece per salvarle da distruzione certa e sicura perdita. Essendo lui profondamente cristiano, ci teneva a salvare le reliquie di coloro che avevano assistito a quel grande evento che, 2009 anni fa, ha dato il via al lento rinnovamento del genere umano: la nascita di Gesù Cristo. La segnalazione che mi fece Riccardo, riguarda il fatto che, per arrivare al sarcofago contenente le Le relique dei Magi, ci sono, o c'erano fino alla scorsa Epifania, approssimative indicazioni scritte a penna, su foglietti di recupero pure ingialliti. Bel culto della memoria storica!In altri luoghi d'Europa si farebbero in dieci, cento, mille per segnalare e promuovere un sito di questa importanza. Mi auguro che, nel frattempo, la situazione sia migliorata.

Autore: Marshall