E' Primavera svegliatevi bambine...

Ogni anno davanti ai nostri occhi indifferenti si ripete il miracolo della vita che torna a sbocciare dopo il lungo e tedioso inverno.
Le giornate si allungano, un sole tiepido scalda il viso e il cuore di chi ancora è capace di apprezzare il lento susseguirsi delle stagioni.
Via i cappotti e le sciarpe, le finestre si spalancano, il freddo finalmente se n’è andato. E’ primavera, svegliatevi bambine… canterebbe Rabagliati.

Ed infatti è come svegliarsi dopo un lungo sonno e per incanto vedere la natura che si appresta a rigenerarsi opulenta, gli alberi coperti di gemme color smeraldo, che presto saranno foglie, i boccioli preludio di un' esplosione di profumi e colori e in campagna peschi e ciliegi si ricoprono di fiori rosa e bianchi, così delicati e belli che, come in certe liriche giapponesi, vien da pensare “Spezzarti, per portarti via, sarebbe troppo doloroso, o fior di ciliegio: piuttosto sotto i tuoi petali rosa starò ad ammirarti fino al tuo appassire”. Niente di più bello potendolo fare!
Non sono solo gli occhi a godere di tanta armonia rinata, ma anche le orecchie: la primavera è anche una stagione piena di “voci” per chi sa ascoltare, la tortora che lancia il suo richiamo sempre uguale, gli uccelli che cinguettano sui rami con rinnovata energia e gli insetti che ronzano e trillano nei prati nella loro industriosa ricerca di polline e cibo.
E’ il ciclo della vita che si ripete, un miracolo così potente e coinvolgente che da sempre ha ispirato poeti e pittori, musicisti e scultori.

Parlando di Primavera è d’obbligo menzionare il celeberrimo quadro di Sandro Botticelli, uno dei più illustri maestri del Rinascimento.

L’opera fu commissionata da Lorenzo Di PierFrancesco De’ Medici, cugino del più noto Lorenzo il Magnifico. La natura allegorica del dipinto è stata oggetto d’infinite e controverse congetture anche se le figure sono facilmente identificabili: a destra Zefiro insegue la Ninfa Cloris, che produce fiori dalla bocca, accanto Flora che unica del gruppo guarda direttamente l'osservatore e sembra intenta a spargere i suoi fiori all'esterno della scena a sinistra le Tre Grazie danzano allacciate mentre Mercurio disperde le nubi con il suo bastone alato, al centro Venere e Cupido osservano attenti. Una più attenta analisi di questo capolavoro la potete leggere qui.

Dopo Botticelli un altro immortale artista italiano rese omaggio alla Primavera: Antonio Vivaldi con tre movimenti del concerto in Mi maggiore per violino, archi e clavicembalo intitolato appunto La Primavera e descritto in un sonetto che lo stesso Vivaldi compose:
Giunt' è la Primavera e festosetti

La Salutan gl' Augei con lieto canto,

E i fonti allo Spirar de' Zeffiretti

Con dolce mormorio Scorrono intanto:

Vengon' coprendo l'aer di nero amanto

E Lampi, e tuoni ad annuntiarla eletti

Indi tacendo questi, gl' Augelletti;

Tornan' di nuovo al lor canoro incanto:

E quindi sul fiorito ameno prato

Al caro mormorio di fronde e piante

Dorme 'l Caprar col fido can' à lato.

Di pastoral Zampogna al suon festante

Danzan Ninfe e Pastor nel tetto amato

Di primavera all' apparir brillante.
Ciascuna parte del Sonetto corrisponde a uno dei tre movimenti del concerto e quindi momenti della stagione: il canto degli uccelli (allegro), il riposo del pastore con il suo cane (largo) e la danza finale (allegro). "Il violino solista rappresenta un pastore addormentato, le viole il latrato del suo fido cane mentre i restanti violini le foglie fruscianti".

Dalle parole alle note, gustiamoci l'immortale Primavera 'vivaldiana'.

I poeti furono molto prolifici nel cantare la Primavera, non credo ne esista uno che non si sia cimentato nel canto di questa meravigliosa stagione.

Io amo in particolar modo Emily Dickinson perchè tutta la sua opera é un inno alla natura. Recentemente é stato pubblicato in Italia il suo "Herbarium", ossia un album dalla copertina rigida, di colore verde, composto da sessantasei pagine, in cui la poetessa con mano esperta ha disposto 424 esemplari essiccati di fiori e piante da giardino, da prato o da interno, appartenenti a specie autoctone o naturalizzate nelle vicinanze di Amherst, Massachusetts. La disposizione dei fiori, le combinazioni di foglie e gambi e corolle, le etichette con i nomi propri, per lo più in latino, sono incantevoli. La Dickinson incominciò a raccogliere foglie, petali, steli quando aveva quattordici anni, incollandoli su grandi fogli accompagnandoli con una didascalia, e gettando così, i "semi" per la sua futura opera poetica.

Un sepalo ed un petalo e una spina

in un comune mattino d’estate,

un fiasco di rugiada, un’ape o due,

una brezza,

un frullo in mezzo agli alberi

ed io sono una rosa!

Fiorire - è il fine - chi passa un fiore

con uno sguardo distratto

stenterà a sospettar

le minime circostanze

coinvolte in quel luminoso

fenomeno

costruito in modo così intricato

poi offerto come una farfalla

al mezzogiorno

Colmare il bocciolo

combattere il verme

ottenere quanta rugiada gli spetta

regolare il calore - eludere il vento

sfuggire all’ape ladruncola

non deludere la natura grande

che l’attende proprio quel giorno

essere un fiore, è profonda

responsabilità.

Aretusa

Emile Bernard e la scuola di Pont-Aven

C'è un momento suggestivo della storia dell'arte, inestricabilmente legato alla magia di un luogo, per cui è d'obbligo la visita a questo breve sito per farsi un'idea almeno della splendida regione francese della Bretagna. In questa terra, sospinta dal fascino originario locale, ebbe origine una rivoluzione pittorica, il Sintetismo (o Cloisonnisme) della Scuola di Pont-Aven: ci si distacca dall'Impressionismo e da una forma più antiquata di Naturalismo, accentuando l'astrazione della forma pittorica, rinunciando alla rappresentazione prospettica (aboliti la piramide rovesciata, il senso di profondità, gli effetti ombreggiati) per forme piatte, realizzate con colore puro e non mescolato; si accentua la rappresentazione non del reale, ma dell'eco interiore del dato osservato, compaiono elementi culturali non solo contemporanei ma arcaici e originari, quando non tratti primitivi. Il Sintetismo costituirà così uno dei rivoli del Simbolismo, che si rivela non solo decadenza, non solo consunzione lussureggiante e spirali di eros-lusso-morte. Emile Bernard (1868-1941) è la figura di svolta, l'inventore della nuova concezione delle forme appena ventenne, nel 1888, anche se la comunità di pittori si andava formando in paese fin dagli anni '60.Nel 1888 i maestri dell'arte moderna sono all'opera, ma non da loro stanno arrivando le ultime novità: Paul Cezanne (1839-1906) e' nel sud della Francia, Vincent Van Gogh (1853-1890) è ad Arles dove lo raggiungera' Paul Gauguin (1848-1903), proveniente da Pont-Aven. Nel villaggio di pescatori c'è il giovane Emile Bernard che mostra a Gauguin l'opera rivoluzionaria.

Bernard aveva dipinto "Donne bretoni su prato verde"(1888) (olio su tela, Germain-en-Laye, coll.privata), con parziale assenza di prospettiva, tinte essenziali e contorno nero marcato intorno alle figure: modelli ideali le vetrate delle chiese, le xilografie popolari, gli smalti (il cloisonné). Era la svolta che Gauguin cercava, una modalità astratta per allontanarsi dal Naturalismo e dall'Impressionismo. Gauguin adotta il nuovo stile mostrato dal giovane Bernard, addentrandosi in seguito nel primitivismo magico che lo rendera' famoso, soprattutto per le visioni tahitiane. Il ventenne Bernard reclamerà inutilmente il merito della scoperta, mentre, secondo Pissarro, Gauguin "ha rubacchiato tutto ai giapponesi". Saranno comunque sia Paul Gauguin sia Emile Bernard a mettere a punto il nuovo stile, e da Gauguin ne verranno gli sviluppi maggiori. Frequentano il gruppo anche Paul Serusier, futuro capostipite dei Nabis, ma anche Emile Schuffenecker, Jacob Meyer De Haan, Charles Laval, ne subiscono influenza anche le trasfigurazioni mistiche e misteriosofiche successive del poetico Maurice Denis.

Il termine 'Sintetismo' è impiegato per la prima volta nel 1889, in occasione della mostra organizzata al Café Volpini di Parigi dagli artisti raccolti attorno a Gauguin e Bernard. Il termine 'sintetismo' pensato da Bernard vuole indicare la semplificazione del disegno, la riduzione della complessità cromatica del reale a pochi colori-base, il ritorno alla plasticità, e l'idea di figurazione di sintesi.

"La visione dopo il Sermone", 1888 (olio su tela, Edimburgo, National Gallery of Scotland)è il primo dipinto sintetista di Gauguin, che riprende le cuffie delle donne bretoni di Bernard del dipinto precedente. Le donne, il mondo reale a sinistra vengono separate dall'albero trasversale; nella metà a destra vediamo raffigurata la Lotta di Giacobbe con l'Angelo (appunto, il soggetto della predica, cfr. Genesi 32:22-32): reale e immaginario si confondono nel quadro...in perfetto stile sintetista. Il Sintetismo di Gauguin condensa in un'unica immagine dati reali e elementi visionari, con forti valenze simboliche. C'è anche un dipinto di Van Gogh della stessa epoca che rientra in questo 'ciclo bretone': "donne bretoni", 1888 (tempera e acquerello su carta, Milano Civica galleria d'Arte Moderna), è una copia del dipinto di Bernard che Van Gogh eseguì per intendere al meglio la nuova pittura (Van Gogh e Bernard erano in rapporto epistolare).

I quadri sintetisti, pur risentendo chiaramente di un paesaggio, sono realizzati in studio in base all'immagine impressa nell'interiorità, e non dal vero. Tra i contorni fortemente marcati delle figure, la scomparsa di microdettagli, la pittura sintetista dà il primato a una visione interiorizzata del mondo, con la ricorrenza di alcuni simboli. Tra le influenze vanno citate le stampe giapponesi e il loro metodo di uso del colore, spunti primitivisti (in seguito si possono rinvenire nei Nabis, o nella carriera successiva di Gauguin, per es. nel "Cristo verde"), un impiego di tecniche di raffigurazioni mutuate dalle vetrate delle cattedrali medioevali.

L'elemento ricorrente del paesaggio bretone è inteso come oasi di autenticità, con le affascinanti figure di donne in costume tradizionale bianco e nero, dalle caratteristiche cuffie: il costume tipico richiama a un'ideale arcaico in cui la Tradizione si mescola ad un Cristianesimo incontaminato delle origini, in una terra spettacolare densa di arte e storia, ma anche di vita semplice contrapposta alla sofisticazione della vita cittadina e delle malattie fin de siècle.La vicenda di questo momento dell'arte ci dice di più: già allora i costumi culturali e tipici erano conservati in un piccolo incantato paese, che, come fuori del tempo, manteneva intatte tracce ancestrali e lontanissime di storia e stili di vita. In seguito, la scomparsa dell'originario e delle antiche identità è stata velocizzata non tanto dal 'progresso' ma dalla Rivoluzione Industriale, con le sue peculiari mire, e dalle Rivoluzioni Tecnologica e Informatica. La scomparsa dei costumi popolari tipici, depositari di una parte emotiva della memoria, (come la scomparsa di lingue minoritarie, dialetti, prodotti artigianali) e la scomparsa forzata oggi del 'tipico, del 'locale', sono un passo ulteriore verso il suicidio culturale dell'Europa.

In alto a sinistra: "La moisson" di Emile Bernard, '1888

La visione del sermone di Emile Bernard (terza a sinistra)

Donne bretoni di Van Gogh (quarta a sinistra)

"Donne bretoni su prato verde"(1888) di Emile Bernard (quinta a destra)

"Bretone sul campo di grano verde" di Paul Serusier

Autore: Josh

I canti religiosi tra folclore e devozione

Alcuni elementi mi hanno indotto a pensare che il Sud Italia possa vantare senz'altro un primato nei confronti del Nord: esso possiede un più vasto repertorio di canti popolari sacri.

L'impressione mi era scaturita già quando ebbi modo di assistere ad un evento religioso che si perpetua da secoli nella zona del Basso Lazio, riguardante i pellegrinaggi che si svolgono alla Madonna di Canneto. Un'altra ragione mi è stata fornita da un libro "Sulla musica e le storie di un'Italia perduta". E la conferma definitiva l'ho avuta assistendo ad un concerto dedicato agli antichi canti popolari sacri. Canneto, località amena situata all'interno del Parco Nazionale d'Abruzzo, è tradizionale meta, il 21 agosto di ogni anno, di una processione solenne e immensa che si svolge attorno alla chiesa del Santuario. Vi prendono parte pellegrini provenienti dai paesi del circondario, posti entro un raggio di 60 km. Durante la lunga processione, e la veglia notturna che vi fa seguito, è un continuo intonare canti invocativi alla Madonna. E ciò si ripete incessantemente anche durante le marce di andata e ritorno, o dei tragitti in comitiva con i pullman. Sono antichi canti mantenuti vivi e perpetuati oralmente da una generazione all'altra. Fino all'immediato dopoguerra, venivano trasmessi quasi solo oralmente, a causa dell'analfabetismo ancora abbastanza diffuso tra la popolazione più anziana. Un aiuto concreto veniva dalla discografia vinilica, ora divenuta incetta di collezionisti, che però era limitata ai brani più belli e più in voga (Madonna di Canneto - un popolo lieto...). Agli anziani, non necessariamente i più vecchi, era demandato il compito di trasmettere la tradizione canora ai giovani. I partecipanti, di qualsiasi provenienza, avevano l'onere di doverseli imparare a memoria, per non fare la figura di non saperli. Durante le prove, e poi durante i pellegrinaggi, era frequente assistere a colorite discussioni che avevano per argomento i testi e la musica dei canti. E non di rado, si sentivano rimbrotti pittoreschi a coloro che sbagliavano una parola o una tonalità. Vi era, poi, una sottile e velata gara tra coloro che ambivano ad eseguire la migliore interpretazione. A dimostrazione di quanto la tradizione fosse sentita da tutti, ogni paese partecipava col proprio gonfalone comunale. L'intuizione venutami dalla lettura del libro, la devo a Giovanna Marini, cantante folk del periodo della Contestazione, che dal 1975 ha insegnato estetica del canto popolare alla Scuola di Musica di Testaccio (Roma). Nei periodi di Quaresima, dal 1991 Giovanna Marini organizza viaggi sistematici di ricerca di brani "in via d'estinzione". Ricordi di quei viaggi sono racchiusi nel suo libro Una mattina mi son svegliata (Rizzoli, prima edizione 2005). Dei dodici viaggi descritti nel libro, ben dieci sono avvenuti in Italia meridionale; solo due in Toscana e Liguria. Vi si narra anche, in modo professionale, del modo come vengono intonati i brani tipici, che hanno resa famosa quella data località, per quella data peculiarità. Fatti in gruppo, da comitive di studenti italo-francesi, i dieci viaggi verso l'Italia meridionale sono avvenuti a: Giulianello e Sessa Aurunca; Giulianello; Castelsardo e Orgosolo; Fiuggi, Blera, Verbicaro e Nocera Tirinese; Palermo, con tappa programmata da Mimmo Cuticchio ultimo valido cuntista (cantastorie) siciliano, e poi a Montedoro e Milena; Calamonaci, Agrigento, Barcellona-Pozzo di Gotto; in Salento; San Costantino Briatico, colonia albanese del Monte Pollino; e, anche se non c'entra niente con i canti sacri, nel '99 è stata anche al Cantamaggio, in Toscana, arricchendo così il libro di storie e aneddoti. Nel 2000 a Orosei, ultimo dei viaggi misti italo-frencesi. E poi, con comitive solo italiane, a Cuglieri (Sardegna); a Piana degli Albanesi (Palermo). Nel 2003 a Sessa Aurunca (Caserta) per ascoltare il Miserere di Sessa, che è per vocalità maschile, ma, di recente, è stata una donna a cantarlo, e ciò ha suscitato vivo interesse nei ricercatori, che hanno voluto andare a cercarla. Pasqua del 2004, eccezionalmente al nord, a Ceriana (Savona) per ascoltare la Lauda de la Madona de la Vila. "E' un canto polifonico costituito da un lunghissimo melisma: dura più o meno dieci minuti, con una nota di bordone bassa comune ai due accordi di tonica e dominante, quindi una quinta, su cui si articola tutto il canto: sembra veramente un alleluiatico. L'insieme è molto emozionante, perchè ci sono solo due solisti, a distanza di terze parallele, un primo con una voce dolcissima, e un secondo con voce di altro timbro, ma egualmente interessante, sui quali entrrano di spinta tutti i componenti della compagnia, tutti sulla quinta, tutti insieme, e fanno sempre la stessa nota per tutto il pezzo, ma non trovanomla cosa nè noiosa nè facile. Infatti, non lo è. Cantano appoggiati uno all'altro, spesso con la mano sull'orecchio per intonare bene la loro unica nota che va rinnovata e sostenuta, perchè se calassero - cosa probabilissima - trascinerebbero i due solisti su tonalità sbagliate." Non essendo un esperto musicologo, ho trascritto un brano integrale della Marini, per cercare di trasmettere un po' delle emozioni che ho provato io, assistendo al concerto vocale strumentale del Gruppo di Canto Popolare di Nova Milanese, di sabato 7 marzo. Anche le Sorelle Elli, direttrici del Gruppo, hanno dovuto, o voluto, attingere al repertorio meridionale, per poter allestire un programma, risultato poi di ottima fattura.Il concerto, dedicato alla Festa della Donna, e concomitante con l'inizio del periodo di quaresima, è stato quasi tutto incentrato su canti popolari sacri, tratti dal più vasto repertorio religioso meridionale. Ad ospitare l'evento è stato il Parroco di Nova Milanese, che ha concesso l'uso della Chiesa di Sant 'Antonino Martire, per fare svolgere l'evento. Festa della donna e Quaresima, non potevano che far suggerire un'esibizione di canti sacri incentrati sul dolore della Madonna, per la passione, Calvario e morte di Gesù Cristo: Mater Dolorosa. E' stato per me oltremodo curioso osservare come se la sarebbero cavata, col dialetto antico meridionale, donne del Nord abituate quindi ai dialetti di qua. La prova è stata egregiamente superata. E, in un brano da solista, su Passione e Crocefissione, Mariuccia Elli, la veterana del Gruppo, si è cimentata in un pezzo di alto virtuosismo, dimostrando così una bravura superlativa. E' stata chiesta una replica del concerto: chissà se verrà accolta...

autore : Mario (Marsh)

RV come Rosso Valentino

Quando inaugurai questo blog lo feci con un argomento apparentemente frivolo come la moda nel post "Aforismi per una demoiselle" dedicato a Coco Chanel.

Oggi questo blog compie un anno. Per l'esattezza lo ha compiuto il 29 gennaio scorso, ma non mi andava di festeggiarne il compleanno nel bel mezzo di un gelido inverno, un inverno interminabile. Ora con l'aiuto di cari e bravi amici Esperidi che apprezzo e stimo il Giardino è arrivato alle soglie della sua seconda primavera. E cosa c'è di meglio che ricordare la stagione entrante (che peraltro tarda a farsi avanti) ancora con la moda?
Da mademoiselle Coco a L'Ultimo Imperatore. Ovvero Valentino Garavani in arte solo Valentino e con il logo di V in profumi, occhiali, cinture, borsette e altri accessori. Naturalmente non mi soffermo sulla biografia e sulla sua identità di gay di cui non mi importa un bel nulla.
Ma sulla genialità della sua cifra stilistica di inimitabile couturier, termine quest'ultimo, che preferisco al generico "stilista" odierno. Da coudre = cucire. Uguale= alta sartoria. Ovvero artigianalità ideata e fatta in Italia, e successivamente esportata e apprezzata nel mondo intero. Oggi la moda italiana si è conquistata sul campo la sua "legion d'onore" (Valentino ne è stato insignito in Francia) e non ha più nulla da invidiare ai cugini d'Oltralpe, i quali sono stati i padri

fondatori della haute couture in Europa e nel mondo, ma permangono a tutt'oggi forse un po' élitari. Armani, Laura Biagiotti, Ferré, Versace, Gattinoni, Romeo Gigli e molti altri nomi di Maison d'alta moda, vengono apprezzati (e imitati) in tutto il mondo. Ma trovo che Valentino abbia quel pizzico di eccentricità in più rispetto a tutti gli altri che ben si coniuga all'eleganza delle sue linee, laddove Bellezza e Bizzarria convivono egregiamente. Eppoi aggiungiamo pure che quel suo rosso Valentino è diventato un marchio di fabbrica made in Italy un po' come la Ferrari. Un rosso dai toni accesi che vanno dal cadmio, al carminio, al vermiglio, alle tonalità del cremisi dei nostri dipinti rinascimentali (in particolare Tiziano).
Valentino osa credere ancora nel divismo e nel glamour della donna che veste. E guarda caso, veste Sharon Stone, forse l'ultima delle dive dello star system hollywoodiano, creando oggi, lo stesso binomio che legò Audrey Hepburn a Hubert de Givenchy. O Jacqueline Kennedy e Oleg Cassini. Il rosso è in fondo il colore più semplice e ad un tempo più difficile da indossare. Perchè troppo "coprente" e chiassoso. Alla fine si guarda il colore e non più l'abito. Insomma rappresenta un'audacia vestire di rosso una donna. Non così per i suoi modelli che fanno del femminile un qualcosa legato a quell' 'eterno femminino della pittura e dell'arte italiana. Eppoi lui è davvero capace di osare: piume di struzzo, strass, drappeggi e chiffon. Il tutto per creare fascino e senso del mistero in un'epoca che non ha più niente di misterioso. Di fronte al Rosso Valentino è un po' come davanti al disco rosso di un semaforo: si è obbligati a fermarsi. E tanto peggio se c'è la crisi. Nulla mi è più necessario del superfluo, è una battuta di Re Lear, ripresa e copiata di sana pianta dai pubblicitari, che di tutto si impossessano e triturano, nei loro slogans. La moda, che rappresenta per antonomasia la cultura e l'industria del superfluo, andò avanti anche sotto le bombe della II guerra mondiale coi suoi preziosi défilé. Un motivo ci sarà pure...

Hesperia

La lunga notte delle stelle -And the winner is

Potete pensare e scrivere quello che volete, nel bene e nel male, ma l’assegnazione degli Academy Awards, rimane uno dei più importanti eventi culturali e mediatici del mondo del cinema e stanotte come ogni anno si ripeterà la magia della “lunga notte” degli Oscar.
Il battesimo degli Oscar ebbe luogo il 16 Maggio 1929 nella Blossom Room dell’Hollywood Hotel di L.A. L’atmosfera era magica, luci soffuse e 36 tavoli elegantemente apparecchiati e su ognuno di essi il facsimile in zucchero dell’uomo nudo con la spada che trafiggeva una pellicola.
La leggenda dice che una segretaria abbia esclamato “Ma assomiglia a mio zio Oscar!”
E così l’Oscar da 81 anni affascina generazioni di uomini, donne e bambini per quel insuperabile mix di raffinato sogno e “vil” denaro, che fa sognare ad occhi aperti colti e meno colti.
La notte degli Oscar è una notte magica che non si può fare a meno di guardare, anche se il vero cinofilo a volte non crede che i vincitori rappresentino la scelta più artistica e imparziale.
Ma se non ci si emoziona per film premiati, rimangono le star e gli abiti delle star da commentare.
Ma questa sfavillante manifestazione ha avuto ed ha anche la funzione di “cartina di tornasole” dei mutamenti sociali e di costume.
Basti pensare come il premio a Tom Hanks in Filadelfia abbia sdoganato il mondo gay, come abbia mostrato l’umanità disperata dei malati di Aids, come abbia fatto vergognare il mondo, per aver considerato questo terribile morbo, una “punizione” divina per chi si considerava contro-natura.
I tempi cambiano e l’Oscar si adegua, nel 1963 il premio a Sidney Poitier come migliore attore per “I gigli del campo” fu così commentato dallo speaker dell’epoca: “This is the firt nigger to win Academy Award” . Una simile affermazione ora, è semplicemente impossibile: chi avesse il temerario coraggio di farlo, sarebbe “espulso” dal consorzio umano.
Gli Oscar sono anche stati luogo di piccoli e grandi scandali, ad esempio la finta indiana che nel 1972 salì sul palco al posto di Marlon Brando che non ritirò il premio per protestare contro il modo in cui Hollywood trattava i pellerossa d’America.
Oppure quando nel 1973 la cerimonia si concluse con un fuori programma, David Niven stava presentando la Taylor, quando un uomo nudo si mise a correre come un pazzo nella sala esibendo un cartello pacifista. Il regista dirottò l’inquadratura per evitare l’immagine delle “grazie” del tizio nudo, in primo piano ai telespettatori e quando finalmente fu acciuffato e il pubblico smise di ridere, la Taylor potè proclamare “la Stangata” miglior film.
Anche le capriole di Roberto Benigni nel 1998 fecero scalpore, fu il primo tentativo della storia degli Oscar di raggiungere il palco, camminando sulle spalliere delle poltrone mentre molte star in piedi ridevano e Spielber aiutava Benigni nel suo numero d’equilibrismo.
La notte degli Oscar non è solo, gossip o glamour patinato è la sintesi perfetta del cinema come “fabbrica” di sogni, arte, costume e società.
Tanti, troppi i film che hanno ricevuto questo ambito premio.
Mi limito a ricordare quelli che più sono legati al mio immaginario di cinefila appassionata ma dilettante.
Via col vento
Rebecca la prima moglie
Casablanca
Eva contro Eva
Fronte del porto
Un uomo da marciapiede
Il Padrino e il Padrino parte II
Qualcuno volò sul nido del cuculo
Il cacciatore
La mia Africa
Platoon
Rain Man
Balla coi lupi
Il silenzio degli innocenti
Gli spietati
Schindler’s list
Braveheart
America Beauty
Il signore degli anelli
Million Dollar Baby
Questo anno la serata più importante del cinema avrà per protagonisti «Il curioso caso di Benjamin Button» di David Fincher con Brad Pitt, che si presenta con ben tredici candidature. «The Millionaire» di Danny Boyle, con dieci candidature, «The Reader», e «Milk» con otto nomination; ma anche «Frost/Nixon», che ha portato sullo schermo il «duello» televisivo tra il presidente degli Stati Uniti Richard Nixon e David Frost.
Vinca il migliore!
Aretusa

Lucien Lévy-Dhurmer e un percorso poetico-tematico

Lucien Lévy-Dhurmer è stato un artista enigmatico, probabilmente sottovalutato e poco conosciuto, ma di grande fascino. Nasce il 30 Settembre 1865 ad Algeri. Presto nel Sud della Francia inizia la sua attività come ceramista e decoratore. In seguito, dopo Parigi, visita l'Italia, rimane affascinato dall'arte Rinascimentale.

La sua pittura fu amata da Camille Mauclair, Gustave Soulier, Léon Tevenin. Negli anni 80 lavora nel laboratorio d'arti applicate di Clement Massier (Manufactures de Faiences). Nel 1896 esibisce i suoi primi pastelli, una delle sue tecniche preferite, in cui si assiste a una presa di distanza dall'Impressionismo, per aderire alla poetica visiva Simbolista, e Preraffaellita; nella produzione più tarda sfiorerà anche l'Art Nouveau. Muore nel 1953. Nell'ultima produzione novecentesca si distanzia dalle forme e stile tipici del Simbolismo incorporando stralci più ampi di paesaggio, anche se la visionarietà rimane una delle sue caratteristiche costanti. Si nota un'influenza da Odilon Redon, Gustave Moreau e dal belga Ferdinand Khnopff.
 

Lévy-Dhurmer era legato ai contenuti simbolisti francesi: nelle sue opere è costante la presenza di figure pittoriche 'finite', dettagliate, quasi realiste, ma avvolte in un alone di spiritualità che suggerisce l'indeterminatezza. Tra i suoi dipinti più famosi "Mistero-la Donna con la Medaglia" (pastello, 1896, Musée d'Orsay, Parigi - foto a sinistra in basso) che risente del Rinascimento italiano:

La donna è spesso presentata in maniera enigmatica, sacrale, Cfr. "Il Silenzio" 1895 (Louvre, Parigi - qui a destra), che si rifà a suggestioni arcane (teosofia, magia, tematiche Rose Croix), o nel dipinto posto in alto al centro, in una delle sue incarnazioni  dell'autunno.

La stessa atmosfera sospesa appare nel ritratto dello scrittore Georges Rodenbach (1855-1898) affine alla scrittura di quest'ultimo, dedicata al culto delle città morte e alle presenze misteriose che immaginava vi abitassero. (Ritratto di Georges Rodenbach, pastello, 1896, Musée d'Orsay, Parigi - foto piccola).

Il volto dello scrittore è incorniciato nel paesaggio retrostante della città di Bruges, tra canali, tetti aguzzi e sprazzi di architettura gotica. L'acqua del fiume di Bruges si confonde indistintamente nella figura dello scrittore, a sottolineare il clima onirico e l'alone indefinito.
Rodenbach fece parte del gruppo la nouvelle Belgique sosteneva la nascita di un'arte nazionale indipendente. Rodenbach poi a Parigi diviene esponente di quel filone letterario che dall'Ecole du Parnasse sfociò nel Simbolismo di Maurice Maeterlinck, visionario come l'opera di Lévy-Dhurmer "Medusa-Onda impetuosa" pastello del 1897 (qui sotto a destra) :

Georges Rodenbach compose poesie di tono elegiaco, servendosi dei paesaggi suggestivi della terra d'origine, le acque e la pace sospesa delle antiche città fiamminghe, un immaginario percorso segnato dall'anelito religioso e dalla dimensione intimistica e memoriale. Tra le raccolte poetiche: "La bianca giovinezza" (La jeunesse blanche, 1886), "Il regno del silenzio" (Le règne du silence, 1891), "Le vite racchiuse" (Les vies encloses, 1896), "Lo specchio del cielo natale" (Le miroir du ciel natal, 1898). Tra i suoi racconti una certa eco ebbe "L'idolo", (protagonista è la signora Desgenet, una sorta di dandy al femminile).

Tra le sue opere maggiori il romanzo breve 'Bruges la morta' (Bruges la morte, 1892), (da cui il quadro fortemente connotato di Lévy-Dhurmer) trasfigurazione della città fiamminga, denso di rimandi tra immagini interiori e luoghi. In Italia ebbe un'infuenza sui Crepuscolari e su Gozzano.

Rodenbach verso la fine della vita era parte del mondo culturale parigino, aveva rapporti coi Goncourt, coi Daudet, con Mallarmé. Da "Bruges-la-Morte", attraverso un dramma dello stesso Rodenbach "Le Mirage", mai rappresentato in Francia ma solo a Berlino nel 1909, Erich Wolfgang Korngold s' ispirò per il libretto della sua Opera, "Die Tote Stadt"/"La città morta", del 1920, andata in scena di nuovo di recente al Festival di Salisburgo, e in Italia qualche anno fa al Festival di Spoleto. Bruges la morte, che vediamo trasfigurata anche nel quadro, città della malinconia, può essere interpretata come il canto per una città, e insieme l'allegoria di una condizione culturale. Bruges era una città gotica, ex città fiorente, tra conventi, chiese, strade vuote, avvolti nella nebbia. La città fiamminga era stata tra le più ricche del Medio Evo, e ne restano testimonianze suggestive: un numero esorbitante di chiese e un intero pittoresco villaggio di conventi, denominati il Béguinage. Il prosciugamento naturale del fiume, che aveva reso importante il porto nei secoli medievali, aveva spento l'economia e la vita di Bruges. Rodenbach la descrive come una città deserta, popolata di ombre di monache, di memorie e immagini di vite che furono, che si specchiano in canali, in vecchi edifici stipati in vie medioevali strette, avvolte di nebbia, spesso bagnata da una continua finissima pioggia. Le campane sono il leitmotiv acustico del romanzo: rintocchi, suoni, sussurri, echi lontani in una dimensione acustica spettrale. Il libro riassume così l’immaginario del proprio tempo, ricorre anche il topos romantico-decadente del doppio (doppelgaenger). L'evocazione poetica della 'città morta' è il vero tema del romanzo, le edizioni dell'opera furono sempre volute con molte fotografie in b/n della città che fu, e il pittore simbolista belga Ferdinand Khnopff realizzò il primo frontespizio su richiesta di Rodenbach. Hugues Viane, il protagonista quarantenne, caduto in un autunno personale precoce (speculare a quello della città narrata) per la morte dell'amata moglie, inizia una sorta di culto dell'amata scomparsa. Nella città percorre sempre itinerari solitari, e arriva ad identificare la città con la moglie scomparsa. La sua casa diviene un reliquiario, nel salotto campeggia un ritratto della moglie, e conserva con maniacalità una ciocca di capelli di lei a treccia, di un biondo antico dorato. In seguito Hugues sarà affascinato da una donna (la ballerina Jane Scott) vista all'opera nel "Robert le diable" che sembra una sosia della moglie, e invece si rivelerà, nei modi e nell'aspetto, molto differente e brutale. Solo la morte (e l'uccisione del reale/brutale per far rivivere la trasposizione ideale) potrebbe riaffermare la somiglianza della nuova alla precedente compagna, e Hugues non avrà altro modo di recuperare l'immagine perduta che uccidere quella ritrovata. Questo romanzo e alcuni suoi temi ebbero fortuna nel 1900 da R. M. Rilke a Marino Moretti (il quale visiterà Bruges sospinto dal fascino del libro e dall'aura emanata dai ritratti, in un viaggio col pittore De Pisis: elementi del libro e del viaggio a Bruges si possono rilevare nel suo romanzo "La Casa del Santo Sangue") e anche in "D'entre les Morts" di Boileau e Narcejac, romanzo poliziesco da cui Hitchcock trasse il famoso Vertigo (La donna che visse due volte). Ugualmente Bruges come città-specchio di un'assenza, di un lutto, o come bellezza nell'assenza e nella sottrazione, ricorda in parte la Firenze depauperata per la morte di Beatrice, nella "Vita Nuova", e l'innamoramento per somiglianza è un topos già presente in Guido Cavalcanti per la giovane donna di Tolosa.

Autore: Josh

Splendore e decadenza dell'Impero Romano d'Occidente ( i mosaici di Ravenna)

Se andate al mio post precedente, potrete ammirare una foto di Re Magi in cammino per recare omaggi a Gesù Bambino. Non è un quadro o un affresco, ma il particolare di un Antico Mosaico di Ravenna.

Chi mi consigliò quella foto, ebbe un'idea felice. Si svolgeva in quei giorni, a Nova Milanese, una mostra dedicata a quegli Antichi Mosaici, il cui precipuo scopo era stato quello di accendere un faro su quell'immenso patrimonio storico-artistico, misconosciuto a gran parte degli italiani, me compreso.Coloro che, infatti, pensano a Ravenna, hanno in mente le immagini delle sue Basiliche e dei suoi Mausolei, viste però dalla parte esterna; senza magari sapere che il bello sta al loro interno. In tal senso, le Basiliche, i Mausolei, il Battistero andrebbero visti come scrigni: casseforti contenenti grandi tesori d'Arte. Ed è per il loro immenso valore interiore che l'Unesco ha voluto tutelarli, dichiarandoli Patrimonio dell'Umanità.
A distanza di un mese dalla conclusione, debbo dire che l'intento di quella mostra, voluta da Rosaria Longoni, assessore alla cultura di Nova Milanese,è stato raggiunto.
A questo punto, esco un attimo dal tema, per rivolgere un consiglio, e una critica, ai responsabili delle attività culturali dei comuni d'Italia, i quali lamentano, spesso e quasi tutti, le scarse risorse a loro disposizione per fare promozione culturale. Quello di Nova Milanese è stato un esempio tangibile di come a ciò si possa adempiere, senza spendere praticamente nulla. Per quel che ho potuto appurare, tale mostra, durata oltre un mese, ritengo sia costata pochissimo alle casse comunali, se penso al modo intelligente con cui è stata organizzata e diretta. E' stata infatti allestita e curata dalla Cooperativa Edificatrice di Muggiò, in collaborazione con il Comune di Ravenna e con il solo patrocinio della Città di Nova Milanese, che ha messo a disposizione un salone per il suo allestimento. Le gigantografie dei mosaici sono state create, con superba maestria, dalle leggendarie Edizioni Panini di Modena (più note per le figurine da collezione).

Nello spazio di circa 300 mq, sono stati esposti esempi perfetti di particolari dei mosaici provenienti dalla Basilica di San Vitale (foto in alto a destra) e del Mausoleo di Galla Placidia ( qui a sinistra).

La maestria della Panini deriva dal fatto che, stando in prossimità dei murali, si poteva avere l'impressione di toccar con mano le minuscole mattonelle, dalle dimensioni e dai colori più diversi, con cui furono creati gli splendidi mosaici.
Invito i lettori, che vogliano approfondire l'argomento Mosaici di Ravenna, a documentarsi via Internet. Voglio invece soffermarmi sull'impressione emotiva procuratami dalla gigantografia di uno dei mosaici principali della Basilica di SanVitale, che è stato presentato all'esposizione e riprodotto nell'immagine in basso a destra.

E' un gruppo di dignitari autorevoli e altolocati, dall'aspetto cupo, pensoso, severo, triste. Quasi l'immagine di persone che stanno presagendo e vivendo l'inizio di quel lungo periodo di "oscurità"che è stato il Medio Evo. Nei loro sguardi vi era già tutto il vissuto di un popolo estremamente travagliato; un popolo, un'intera umanità costretta a fuggire da Roma, prima, e poi dopo da Milano, sotto l'incalzare delle invasioni barbariche.
Soffermandomi invece sull'aspetto della bellezza e magnificenza di quei Mosaici, vi intravedo il tentativo di voler ricostruire, di voler tramandare ai posteri, i fasti di quello che era stata la bellezza della civiltà Romana, la quale stava per essere soggiogata, demolita e cancellata dai barbari. Ma, consci dei rischi e pericoli già intercorsi a Roma e a Milano, lì a Ravenna si volle costruire senza troppo sfarzo esteriore, quasi a non voler dare troppo nell'occhio. Al contrario di Roma e Milano, dove si fece largo uso di preziosi e costosi marmi (si pensi al Palazzo Imperiale di Milano, del quale non è giunto nulla fino a noi, che era stato costruito facendo arrivare via mare, via Po e via Vettabia, pregiati marmi fin dall'Africa Romana), a Ravenna si pensò di meno all'esteriorità. Mattoni grezzi (questo, almeno, è quel che è giunto fino a noi), poco o nulla uso di luccicanti marmi, almeno nella parte esterna. Ci si concentrò quasi totalmente alla realizzazione di splendori interni. Quasi a non voler ripetere le esperienze di Roma e Milano, dove, il passa-parola sullo splendore dei marmi aveva contribuito a far sì che avvenisse la calata di orde barbariche devastatrici, qui non c'è traccia di marmo; la bellezza e la grandiosità stanno tutte racchiuse all'interno di quegli edifici, solidi e ben costruiti.
L'analisi storica più approfondita di quei secoli, sarà oggetto di altri post. Qui, mi limito ad un accenno sul perché della scelta di Ravenna per impiantarvi la Nuova Capitale dell'Impero Romano d'Occidente. Essa è stata vista anche come una fuga dalla realtà da parte delle élite di allora, coloro i quali avevano in mano le sorti e i destini delle genti, lasciate in balia del proprio drammatico e ignoto destino.

Un quesito, e una provocazione, che mi sorgono spontanei, lo rivolgo alle élites e ai governanti occidentali di oggi: quanti secoli di travagli e quali traversìe dovettero subire, prima che avvenisse l'amalgama e l'assimilazione dei barbari alla civiltà?

autore: Marshall