From Marx to Market: il lato oscuro della globalizzazione

Il 9 novembre 1989 è caduto il Muro di Berlino e con esso la fine del comunismo. Molti blogger lo hanno ricordato con opportune immagini. Ma questa, purtroppo, non sarà mai una data da poter ricordare con la stessa esultanza con cui si festeggiò la fine della IIa guerra mondiale e con essa la caduta del nazifascismo. Perchè? Perchè non tutti i muri cadono per portarci gioia e letizia.

1) La caduta del Muro ha dato la stura alla globalizzazione e al mercatismo internazionalista, che è un'altra rivoluzione su scala mondiale.

2) Ha permesso alla Ue di creare e allargare l'area mercantile di Schengen, col risultato che ora insieme ai capitali e alle merci ci sono anche flussi incontrollati di uomini dai vari angoli del pianeta (moldavi, romeni, rom solo dall'Est, migrazioni dal Sud del mondo, ecc.).

3) Dopo la caduta sono subito nati i "transcomunisti", neoconvertiti al mercato unico di un mondo unico.

4) Le etnie tenute insieme con la forza totalitaria e dispotica delle dittature comuniste, hanno dopo la caduta del Muro, ripreso a farsi guerre e guerriglie nei Balcani e nelle ex Republiche socialiste sovietiche (si veda Georgia contro Ossezia e la mai risolta questione cecena in Russia).


Perché nulla si crea, nulla si distrugge ma tutto si trasforma. E anche il comunismo si è subdolamente trasformato nel passaggio from Marx to Market. Sia Massimo Fini nel suo pamphlet sull'antimodernità "Il vizio oscuro dell'Occidente" (del 2002 e con grande anticipo rispetto alla crisi attuale) che Giulio Tremonti nel capitolo "Il lato oscuro della globalizzazione" del suo saggio "La Paura e la Speranza", sono consapevoli che l'homo oeconomicus è un retaggio delle rivoluzioni industriali inglesi, poi illuministe, poi francesi, poi bolsceviche, e che il "mercatismo" attuale è la faccia ferocemente fondamentalista del vecchio liberalismo-liberismo, con al suo interno qualche costola di marxismo, apportata opportunamente dai transcomunisti e socialisti.

"Il mercatismo, è "utopia-madre della globalizzazione ne è il motore ideologico: i liberali drogati dal successo appena ottenuto nella lotta contro il comunismo; i postcomunisti divenuti liberisti per salvarsi, i banchieri travestiti da statisti (ovvero i cosiddetti "illuminati fanatici"); gli speculatori-benefattori (allusione a Soros e a Bernard Madoff?!), e i più capaci pensatori di questo tempo, gli economisti, sacerdoti e falsi profeti del loro credo". (Giulio Tremonti in La Paura e la Speranza).

Per entrambi, "il Paese dei Balocchi"(Massimo Fini) o "la cornucopia dell'abbondanza" (Tremonti) si è trasformata da sogno in un incubo, il cui uomo, ridotto a Grande Consumatore, a una mera scheggia di PIL, è uomo a taglia Unica dal Pensiero Unico. "Noi non produciamo più per consumare, ma consumiamo per produrre" scrive Massimo Fini " Il meccanismo non è al nostro servizio, ma noi al suo...".

Megabanche, tecno-finanza, universalizzazione e deresponsabilizzazione (due concetti intimamente legati del capitalismo su scala planetaria) slegate da tutto e da tutti , hanno creato il crack delle bolle speculative. La "tempesta perfetta" è partita dalla tecno-finanza, ma andrà ancora avanti con le carte di credito (che in USA sono in realtà, sempre più carte di debito).



"Tutto si è sviluppato dentro la "meccanica perversa" del "meno rischi più guadagni", perché con le nuove tecnologie finanziarie gli operatori, più trasferivano a terzi i loro prodotto, più facevano profitti" . I Subprime, i prestiti a rischio concessi negli USA, impacchettati e fatti circolare per il mondo, sono solo il primo anello di una lunghissima catena di fuga dal rischio e di corsa ai profitti. Una fuga e una corsa fatta di tanti altri strumenti (vehicles, collateralized debt obligations, derivatives, monolines, hedge funds ecc. ). Strumenti diversi tra loro, con un comune denominatore: l'essere operati e operabili fuori da ogni controllo (...) (ancora Tremonti op. cit)




Gli hedge funds non sono nient'altro che banche fuori controllo, la cui regola è di non avere regole.
Ovviamente non è finito il crack della bolla speculativa. O meglio del perverso gioco del "bolla su bolla".

"E' come essere dentro un videogame: arriva un mostro, lo batti, e mentre tiri il respiro ne arriva un secondo. E poi un terzo ancora più grande, e un quarto. Il primo mostro sono stati i mutui e in qualche modo sono stati gestiti. Ora sta arrivando il secondo, le carte di credito, che in America sono carte di debito, e anche questo potrebbe essere gestito. Si sta avvicinando il terzo mostro: i finanziamenti alle imprese, inclusi i corporated bond in scadenza. E sullo sfondo si profila il terzo mostro, i "derivati" (Tremonti al Corriere della Sera - intervista a Mario Sensini del 9 novembre).

Avrete quindi capito che se il Muro di Berlino è caduto, dalle parti di Washington, NY e dintorni di Wall Street (e cioè dal nostro alleato sul fronte "occidentale") c 'è ben poco da rallegrarsi.



Conclude Massimo Fini nel suo pamphlet:

"Lo scontro del futuro non sarà quindi fra destra e sinistra (ndr: infatti la globalizzazione ne azzera le distanze e i significati intrinsecamente ideologici e culturali), fra un liberalismo trionfante e un marxismo morente - questo lo sappiamo. Non sarà nemmeno quello scontro di civiltà fra Occidente e Islam, preconizzato dallo studioso americano Samuel Huntington. Il terrorismo alla Bin Laden sarà con ogni probabilità una parentesi - magari una lunga parentesi - che aiuterà l'Occidente a rafforzare la propria egemonia, a completare il delirio dell'unico modello mondiale, assorbendo, integrando, innocuizzando, distruggendo ogni altra cultura. Non ci saranno guerre di civiltà perché ne rimarrà una sola, la nostra. Ma è all'interno di questa che arriverà lo scontro vero, il più drammatico e violento: fra le élites dominanti fautrici della modernità e le folle deluse, frustrate ed esasperate, di ogni mondo, che non ci crederanno più, avendo compreso alla fine, che lo spirito faustiano, lo spirito dell'Occidente, opera eternamente il Bene ma realizza eternamente il Male.

Dunque più "crepuscolare" la visione di Massimo Fini, seguace di Spengler, più "risorgista" quella di Tremonti che come politico e uomo di governo, non può che cercare d' infondere speranza. La Speranza, non dimentichiamolo, è anche una virtù teologale, e Tremonti è profondamente credente. E la Speranza è quella che perfino gli antichi Greci, lasciarono in fondo al vaso di Pandora, allorché tutti i mali del mondo si riversarono sulla Terra. Ma i punti di partenza tra i due sono molto simili e non poche sono le analogie nell'analisi di un fenomeno inafferrabile come la globalizzazione in atto.

L'ultima lezione di Randy, sconfiggere la morte raccontando la vita

"Non la battiamo vivendo più a lungo, ma vivendo bene e pienamente, perché ella verrà per tutti noi"- Randy Pausch



Il 2 Novembre è il giorno che i viventi dedicano ai “riti” per i morti. Un giorno l’anno, per i restanti 364 si preferisce scordare la morte, a meno che, questa non irrompa prepotentemente nella nostra vita. La morte spaventa, il solo pensarci, provoca una stretta allo stomaco e scaramantici gesti di “protezione” come toccare ferro.

Eppure la morte può insegnare molto, può insegnare ad apprezzare la vita. Quando ci sfiora e ne sentiamo l’alito gelido sul volto, dopo, tutto ci appare in una nuova prospettiva e ci rendiamo conto di quanto preziosa sia la vita.
Una “lezione” che a volte ci viene impartita da chi sa che morirà presto.
Randy Pausch, un professore di scienze informatiche alla Carnegie Mellon University in Pennsylvania, ha tenuto una lezione per affrontare la morte imminente, raccontando la vita.
Randy aveva 47 anni, la tendenza al sorriso, tre meravigliosi figli, un passato da progettista di realtà virtuale per la Disney e un tumore al pancreas che se lo stava portando via, anche se vederlo sembrava in perfetta salute. Una vita e una morte assolutamente normali, che Paush è riuscito a trasformare in qualcosa che ha toccato le persone e i media e ha fatto il giro del mondo.
Mesi prima quando aveva saputo di non avere speranze s’era domandato quale fosse il modo migliore di lasciare un “testamento spirituale” ai suoi bambini, lui era un professore e così ha scelto di tenere una lezione, è andato davanti ai suoi studenti, alla sua famiglia e davanti alla telecamere ha tenuto la sua ultima lezione. Ovviamente non di informatica e nemmeno, come ci si sarebbe potuto aspettare sulla morte, ma sulla vita. Sul valore della vita, sulla bellezza della vita, sui suoi valori inalienabili, che questa società sembra aver dimenticato, sepolto sotto una cultura nichilista.
In un aula gremita ha parlato di sé, senza vittimismo, armato di coraggio e ironia, deciso a “rinchiudere tutto sé stesso in una bottiglia che un giorno i suoi figli apriranno”.
Per settantacinque minuti si è raccontato, ha fatto ridere il pubblico, lo ha commosso, ha parlato dei suoi genitori, dei loro insegnamenti, dei suoi sogni infantili, di come è cresciuto, di ciò che considerava giusto e di ciò che considerava sbagliato.
Tante piccole perle di buon senso, che alcuni hanno definito banali, dimenticando che la vita per miliardi di persone è banale, ma non per questo immeritevole di essere vissuta o meno appagante.

La bellezza della vita sta nell’apprezzare fino in fondo la sua importanza, nel non dare mai nulla per scontato e soprattutto nel riconoscerne il suo immenso valore da appena si nasce al momento in cui si muore, che per i più fortunati coincide con la vecchiaia. Lottare contro il corso temporale della vita produce solo infelicità, negare il diritto ad esistere ai non “desiderati”, ai “non perfetti”, agli ammalati senza speranza produce solo una spaventosa ingiustizia, che si tenta di far passare per carità, per altruismo. Per una conquista del vivere civile.
Ma una società che si basa su questa cultura è una società sconfitta, una società morente, che dovrebbe imparare dalla lezione di Randy Pausch: un uomo che non si è lasciato trainare dalla sua morte, ma ha trainato la sua vita, fino all’ultimo istante.
Randy è morto 25 luglio 2008, lasciando a tutti noi (e non solo ai suoi bambini) un grande dono: questa lezione che ha fatto il giro del mondo, ed é stata vista da milioni di persone, su ciò che conta veramente negli anni in cui ci é dato di stare su questa meravigliosa, difficile, imprevedibile terra.
Mi sembra giusto ricordarlo, ma non solo oggi. Sempre.

La morte ha sempre avuto un posto importante nell'arte e nelle poesie.

Aretusa

Iperico, male oscuro e Spleen

Arriva l'autunno, le giornate si accorciano, le notti diventano più lunghe dei giorni, gli alberi perdono la chioma e con il morire della stagione, non sono pochi coloro i quali soffrono di un disturbo che i soliti anglosassoni hanno chiamato con la breve sigla di SAD (Seasonal Affective Disorder ovvero Disordine Affettivo Stagionale). Tra le terapie in uso, vi è quella di esporre il paziente sotto forti lampade che ne stimolano la serotonina. Alzi la mano chi non ha mai sofferto di malinconia autunnale, specie dopo il ripristino dell'ora solare. La parola "melanconia" proviene dal greco melas "nero"e konis "polvere" (ovvero bile nera). Una sua variante cristiana è l'accidia, considerato uno dei sette peccati capitali, dato che reca indolenza e indifferenza. Poiché secondo la concezione di Ippocrate la bile nera veniva elaborata dalla milza, concezione rafforzatasi poi durante il Medio Evo fino all'età romantica, da qui la parola spleen (milza), un suggestivo termine impiegato da Baudelaire per indicare l'umor nero. Quattro sono infatti gli Spleen composti dal poeta. E ne citerò solo qua e là qualche frase, tratte da un paio.



(Ja'i plus des souvenirs que si j'avais mille ans).

Ho più ricordi in me che se mille anni avessi.Un grosso mobile a cassetti stipato di bilanci,versi,lettere d'amore,di verbali,di romanze,e di pesanti ciocche di capelli avvolte da quietanze,non nasconde segreti quanto il mio cervello triste:piramide ed immensa tomba,cela più morti che comune sepoltura. Io sono un cimitero dalla luna aborrito,in cui vermi lunghi,come rimorsi,si trascinano e che sempre s'avventano sui morti miei più cari. Sono un vecchio salotto,d'appassite rose ricolmo,dove alla rinfusa le mode sorpassate insieme giacciono...

II - Quando come un coperchio il cielo pesa
grave e basso sull'anima gemente
in preda a lunghi affanni, e quando versa
su noi, dell'orizzonte tutto il giro
abbracciando, una luce nera e triste
più delle notti; e quando si è mutata
la terra in una cella umida, dove
se ne va su pei muri la Speranza
sbattendo la sua timida ala...

Lo spleen, benché stato d'animo d' umor nero, è per Baudelaire la condizione necessaria per pervenire all'Ideale. Nella concezione baudelairiana Spleen et Idéal sono intimamente congiunti.Pare che il poeta soffrisse fortemente di questo "disordine" ma che proprio per questo, ne avesse bisogno per raggiungere le sue sublimi idealità. Questo stato d'animo lo si coglie anche in Spleen di Parigi, suo poemetto in prosa: Allora dimmi, che cosa ti piace, o bizzarro straniero? Io amo le nuvole ...le nuvole che passano...lassù... le nuvole meravigliose.

Eugenio Montale lo chiama il mal di vivere: Spesso il male di vivere ho incontrato/ era il rivo strozzato che gorgolia/ era l'incartocciarsi della foglia/ riarsa, era il cavallo stramazzato.




E' ancora in questa poesia del pittore-poeta Ardengo Soffici che la incontriamo per la "Via".


Palazzeschi, eravamo tre,
Noi due e l'amica ironia,
A braccetto per quella via
Così nostra alle ventitré
..........................

finale

...Ma un organetto un po' sordo
si mise a cantare: Ohi Marì...

E fummo quattro oramai
A braccetto per quella via
Peccato! La malinconia
S'era invitata da sé.



Una poesia che parte scanzonata, ma che nel finale descrive come lo stato d'animo della malinconia crei quasi un effetto-imboscata per chi ne è colpito.



Lo scrittore veneto Giuseppe Berto la descrisse come una discesa agli inferi nel suo "Il male oscuro" e per raffigurarne la nevrosi d'ansia che l'accompagna scrisse il romanzo senza punti né virgole, in un flusso di coscienza ininterrotto. Non ne soffrono solo i poeti e gli scrittori, ma anche gli artisti (pittori, scultori, musicisti). Ne soffrì Michelangelo, Caravaggio, Cellini, Duerer e molti altri. Albrecht Duerer ne fece anche una famosa incisione a bulino dal titolo "La melanconia" (immagine in alto al centro), sulla quale sono state avanzate parecchie ipotesi e chiavi di lettura. Ma secondo la più accreditata, pare voglia indicare una condizione primitiva, come il primo gradino della conoscenza da perseguire in salita, uno stato d'animo di travaglio interiore assimilabile alla notte, alla "nigredo" dell'elemento ctonio (cioè della terra). La donna infatti è cupa in volto e la scritta sul nastro sorretto dal pipistrello sembra indicare proprio questa condizione di "melanosi" e di "nigredo" paragonabile ad uno stato d'animo di pensosità travagliata. E' un tema che ha attraversato anche la pittura moderna dal Rinascimento fino ai nostri giorni. Edward Munch, grande cantore espressionista degli stati d'animo esistenziali (L'Angoscia, L'urlo) ha composto un dipinto intitolato Malinconia (immagine di lato). Un topos ricorrente anche in uno stupendo dipinto di De Chirico che ha colpito non poco l'immaginario collettivo dal titolo "Mistero e malinconia di una strada" (seconda immagine accanto alla poesia di Ardengo Soffici).

Ma certamente per i malinconici, o accidiosi o depressi o affetti dal male oscuro, o come vogliamo chiamarli, non è di conforto né di consolazione sapere che non sono pochi i personaggi famosi afflitti da questo male. In epoche più vicine alla nostra ne soffrirono pure persone di grande successo politico come Churchill, e giornalistico come Montanelli. Esistono rimedi senza dover sconfinare nella zona grigia degli psicofarmaci e sono l'Iperico (pianta di Iperione, il nome greco del Titano padre di Elio-Sole). Grande è pure il valore simbolico di questa pianta dai bei fiori giallo-sole (quel colore della luce che tanto piaceva a un melanconico cronico come Van Gogh). Capace di combattere gli stati depressivi, è anche un potente cicatrizzante. In fondo, a ben rifletterci, è come immettere piccole dosi di sole nel corpo di chi vede buio e non riesce a uscire dall'oscurità. Non di rado dunque anche la medicina e la farmacopea sono fatte di simboli come le arti, la poesia e il linguaggio.

La città, il centro, la piazza: significati simbolici e reali

La dimensione Occidentale in specie italiana delle città presuppone "che ogni spazio urbano abbia un centro in cui andare, da cui tornare, un luogo compatto da sognare [...] da cui dirigersi e allontanarsi" (scriveva Roland Barthes in "Centro-città, centro vuoto", in L'impero dei segni, trad. it. Einaudi, Torino 1984).

E aggiunge che per ragioni storiche, economiche, militari e religiose molte delle nostre città occidentali sono concentriche, nella dimensione reale e simbolica, cioè ricalcano il movimento di senso della metafisica occidentale in base alla quale
ogni centro è la sede della verità.

Così il nostro centro, sia cittadino, sia metaforico, è nella tradizione sempre "pieno" di significati; è un luogo contrassegnato, ipersegnato. Lì sono sedimentati i segni storici e fondati i valori della civiltà, tutti rappresentati : la spiritualità delle Chiese, il potere con gli uffici e i palazzi pubblici, il denaro con le banche, le merci e gli scambi con i negozi e i mercati, la parola e l'espressione ogni volta che la piazza assume la caratteristica originaria di agorà.
 

Andare in centro è in qualche modo quindi anche andare al centro delle cose, incontrare la verità di un luogo, un frammento della propria personale verità, e una verità collettiva, o almeno così era fino qualche tempo fa.
I nuovi quartieri che germogliano intorno alle industrie, periferici in mano all'edilizia da dormitorio e alla speculazione fin dagli anni '60, quasi nuove città senza anima, spesso sono privi di centro. Oppure presentano nuovi centri fittizi, senza significati: non ci sono edifici storici, non ci sono più sculture-simbolo e vincolo all'ideale, oppure c'è una strana fontana-vasca con installazione metallica che, più che astratta è una specie di trespolo, appunto un non-segno.
In pratica non ci sono simboli di identificazione. C'è un'ipermercato che ripete lo stile dei palazzi o viceversa, il che la dice lunga su ciò che sia 'centro' (anche di di valori) oggi: cioè unicamente un certo tipo di 'mercato'.
Oppure ci sono edifici o stili d'importazione, che non appartengono alla realtà storica del posto, all'insegna dell'espropriazione della memoria e della neutralizzazione simbolica dei segni.

Milano, (Quarto Oggiaro, pru Certosa, Arch. Armstrong Bell)

Come dire, le nuove pseudo-piazze non ci appartengono. E' dal 1400-1500 che la piazza monumentale, spesso la piazza grande, la piazza maggiore, diventa il luogo simbolico della città, rielaborando alcuni concetti greco-romani e adattandoli all'epoca.
Al di là di un intero sentire dell'epoca che si muoveva in questa direzione, molto è dovuto al "De re aedificatoria" di Leon Battista Alberti, del 1450, considerato ovviamente un trattato di architettura che verte anche intorno all'idea di come una civiltà si specchi in una città, in termini umanistici, con osservazione delle problematiche culturali, sociali, economiche e simboliche. Il centro, perciò la piazza, doveva essere luogo rappresentativo, di dignità, era valore di radice, e d' identificazione di ciò che quella città è, per cui era anche l'oggettivazione di un ideale, di un passato che continua a produrre realtà nel presente. Anche questo, oggi sembra un valore perduto.

("LA CITTA' IDEALE" , significativo dipinto 400centesco, conservato nel Palazzo Ducale di Urbino, sintesi del classicismo rinascimentale dell'urbanistica, un tempo attribuito a Piero della Francesca, oggi si è in dubbio se considerarlo di Leon Battista Alberti (per un disegno sottostante che presenta molte affinitàcon l'opera di LBA) il quale interpreta anche un dato reale nella vita italiana negli usi delle nostre città: esortava a costruire artisticamente nel centro storico le dimore nobiliari, le Chiese, tutti gli edifici di pubblica utilità.
Nel 1600 Tommaso Campanella pone al centro del tempio della sua Città del Sole 2 mappamondi, uno che rappresenta il cielo e l'altro la terra. Ideale e Reale sono inestricabilmente congiunti nel centro. Anche se la sua visione utopica finisce per annullare le libertà individuali.
Ma la piazza era anche luogo di apprendimento di regole civili, e del bisogno dei cittadini di scambiarsi nozioni, notizie, lavoro, incontro. La nobiltà italiana ha sempre posto la sua dimora nel centro delle città (e non in campagna come spesso nel resto d'Europa) e a questo si deve la conformazione artistica delle nostre città.
La piazza è sempre stata anche luogo di tutte le classi sociali, dove poteva avvenire un incontro, uno scambio: in tante delle nostre commedie la piazza è come il teatro della vita pubblica, fino ad essere un centro 'polisemico' e luogo di ogni virtuale, luogo di incroci del possibile.
Ciò che è difficile invece oggi è definire una città attuale; coglierne lo spirito di città odierna come luogo simbolico culturale, poichè la città moderna sembra un non-luogo.

Prima, di una città erano evidenti addirittura una maschera (la caratterizzazione della Commedia dell'Arte, il cogliere tratti salienti nella tipizzazione), una coscienza, un modo di sentire, uno stile, usi e costumi: un popolo insomma.

Gozzi, Ritratto di Carlo Goldoni tra le Maschere della Commedia dell'Arte, prima metà 1800, Bergamo, San Giovanni Bianco, Casa Parrocchiale)

La città odierna invece possiede elementi non omogenei e spesso non coordinati tra loro da un senso. Si può vedere, all'interno dell'attuale insieme di cose che formano una città, l'assenza delle coordinate che caratterizzano i luoghi familiari, propri, antropologici...Marc Augé insegna che i luoghi antropologici per essere tali dovrebbero possedere:

_caratteri comuni riconoscibili come identitari,
_caratteri comuni relazionali,
_caratteri comuni storici.

Queste 3 categorie sono tutte violate nelle città contemporanee. (cfr. Marc Augé, "Nonluoghi", Eléuthera, Milano 1993, ora Nonluoghi. (Introduzione a una antropologia della surmodernità, Eléuthera, Milano 2005).
La città odierna allora è (forse volutamente?) all'insegna della discontinuità, della rottura, dall'espropriazione dei valori di radici locali, formata da parecchi non-luoghi. L'insieme di luoghi, sottoluoghi, non-luoghi che la formano, continuano a segnalare la perdita del centro originario, sia fisica sia ideale.

In più la città attuale non è davvero più coercibile in confini: le città sono in continua espansione, grazie all'immissione di continua nuova popolazione, da città si passa a metropoli, a megalopoli.
La città della modernità è progressivamente labirintica, anche una città media è espropriata del centro perchè ormai la si considera metropoli se legata a un'intera 'area metropolitana' estesa che comprende numerosi comuni limitrofi, un'intera fascia di costruzioni quasi senza limite in cui i cartelli che dovrebbero delimitare un nuovo Comune, non corrispondono in realtà a nessuna interruzione alla continuità del paesaggio costruito.

Pare in contemporanea sempre più l'oggettivazione della città dei romanzi gialli o dei film noir, una città in cui perdersi e poter essere fagocitati non possedendo più criteri di riconoscibilità della città-madre; si trasforma nella città fredda-maligna degli horror, nella città surrealista in cui vige il criterio dell'assurdo, la città la cui periferia potrebbe essere ovunque nel mondo data la sua irriconoscibilità modulare, la città innaturale che divora i suoi figli come nella fantascienza. Aiutati in questo da un'architettura impersonale, privata di ogni aggancio al nostro passato culturale, scevra di segni, di simboli originari. (foto a colori: dal film Il deserto rosso di Antonioni)

autore: Josh

Il travaglio dell’arte: Napoleone, i tombaroli, i saccheggi, i traffici clandestini e infine il recupero

Al Colosseo (luogo simbolo che é sopravvisuto nel tempo a numerose spoliazioni e distruzioni) é in corso una bellissima mostra di capolavori, sessanta in tutto, in bronzo, in marmo, in terracotta, che hanno una particolarità importante sono una selezione delle opere finite in mano a trafficanti e tombaroli o che sono state oggetto di saccheggi ottocenteschi o di moderno traffico clandestino e infine riportate in patria.
Opere bloccate in corso di esportazione illegale, opere rubate e recuperate e, ancora prima, opere salvate grazie a regolamenti all’avanguardia (i tentativi dei Borbone di tutelare le opere d'arte fin dal 1755), non del tutto scontati se una nazione che si proclamava democratica, come la Francia di Napoleone, fece entrare le opere d'arte come bottino nei trattati di pace. Le razzie del “Nappa” sono ancora ben presenti nella memoria storica di noi italiani e in particolare dei toscani, e la Fallaci ne parla anche nel suo romanzo postumo “Un cappello pieno di ciliege” .

Apollo citarista

Ci sono opere importantissime come l'"Apollo Citarista" ( dalla casa del Citarista di Pompei, bronzo di 1,65 cm di altezza), che nella Seconda guerra mondiale è passato da Berlino ad una miniera di sale.

L’insigne statua muliebre della Hestia Giustianiani in marmo (1,99 di altezza) del I-II secolo d.C. finita in mano ad un privato. La dea Roma in veste di Amazzone (2,30) che è un originale augusteo-tiberiano di Ostia Antica. Minerva con elmo e armata con tritone, di terracotta con tracce di colore (sfiora i due metri).

Ma anche la Venere de´ Medici, uno splendido marmo di Antonio Canova, di cui Napoleone si innamorò: fu nascosta a Palermo per sottrarla alle sue brame, ma inutilmente. L´imperatore alla fine pagò una fortuna per portasela via. Nel 1815, però, la statua, tornò finalmente a Firenze, e lì rimase.

La mostra celebra il centenario del primo regolamento di tutela delle opere d'arte approvato nel 1909 e in generale tutte le conquiste compiute nei secoli nel campo della tutela della difesa del patrimonio artistico.

Il titolo è emblematico,"Rovine e rinascite dell'arte in Italia" (fino al 15 febbraio 2009) ed é suddivisa in sei sezioni: dalle origini della tutela all’unità d’Italia, passando per il Novecento, per la propaganda del Ventennio fascista, fino all’evoluzione dei principi di tutela negli anni Ottanta. Vi si può anche apprendere le astuzie dei tombaroli per ricavare più soldi da un singolo pezzo. Hestia Giustiniani

Il caso più affascinante della mostra è forse quello della cosiddetta "Artemide Marciante" (recuperata dai Carabinieri)una statua alta 113 centimetri, in marmo con tracce di colori sulle vesti.Trafugata a Caserta nel 1994 e mandata in Svizzera, dove i trafficanti tentarono di venderla in Giappone e negli Stati Uniti. Ma avevano i Carabinieri alle calcagna e allora commissionarono una copia dell’Artemide ad un artigiano romano di monumenti funebri “abbandonandola” ad Avellino. Gli esperti non ci cascarono e la vera Artemide fu recuperata e portata in Italia. Nella mostra le statue sono tre: la vera, la copia moderna e il calco in gesso per trarre la copia.
C’è poi la “Ballerina di Goethe”, una Ninfa in marmo della fine del I-inizio II secolo d.C offerta allo scrittore che rinunciò con dispiacere all'acquisto, su saggio consiglio della famosa pittrice Angelica Kaufmann che lo mise in guardia sui problemi legati all'esportazione.
Qui si possono leggere uletriori informazioni sul recupero di altre importanti opere d’arte, patrimonio inestimabile della nostra terra e vestigia del nostro illustre passato.
L’Italia è un nazione unica per grandezza, valore, e quantità di opere d’arte. Ogni centro storico delle nostre città è un “museo” a cielo aperto e vederlo deturpato da orde di vandali immigrati o meno, dovrebbe far imbestialire ogni italiano degno di questo nome e memore dei sacrifici che i nostri padri patirono per difendere l’Italia dagli invasori.

Un'ultima nota, mi piace sottolineare a chi legge, l'operato dei Carabinieri anche in questo campo preparati, dediti alla proprio lavoro e capaci, che ha portato al recupero di tanti tesori.
Aretusa

Quando la cover supera l'originale

Siamo un popolo di "taroccatori", di scopiazzatori, di disonesti plagiari o siamo geniali nell'impossessarci delle canzoni altrui e farle nostre con una forza e un'energia maggiore?

Cliccando su You Tube si fanno scoperte davvero interessanti sulle cover che imperversarono sul mercato discografico italiano degli anni '60 e '70. Poi dagli anni '80 in poi, data la velocità estrema del mercato globalizzato arrivarono solo gli originali e la cover non esiste quasi più. Meglio? Peggio? Non saprei. Forse l'invadenza dei prodotti angloamericani sul mercato ha marginalizzato non poco la canzone italiana, anche quando non era poi così originale. In Francia sono obbligati da una legge a trasmettere il 70% di canzoni francesi.

Non tutti sanno (a parte i collezionisti di rarità in vinile) che la famosa "Stai lontana da me" di Adriano Celentano era un cover della meno nota Tower of Strength del grande Burt Bacharach, interpretata da Gene Mc Daniels. Ma forse, un po' per spirito nazionale, o forse per simpatia e affettività, preferisco di gran lunga la versione dell'Adrianone nazionale a quella originale. E del resto cliccate il videoclip linkato su in alto e rendetevene conto voi stessi: le movenze da marionetta di Jerry Lewis, le risatacce e il look da popolano in canottiera e pantaloni a zampa d'elefante, ne fanno un prodotto più convincente e di maggior suggestione dell'originale. Eppoi ha un surplus di ironia che manca nella versione americana.

Il grande successo La città vuota di Mina, è anche questa una cover di "It's a lonely town" , sempre dello sfigatissimo Gene Mc Daniels che ha avuto la sfortuna di commisurarsi con due big italiani conosciuti e apprezzati anche all'estero. Tentò anche lui di interpretarne una versione italiana per il nostro mercato, ma rimase pressoché invenduta. Minona nostra è Minona nostra, quasi un mostro sacro e inviolabile come la Ferrari.

Qualcuno pensa che "Cuore" di Rita Pavone sia stata scritta appositamente per lei, da tanto la fa sua. La incise per la RCA il cui arrangiatore era allora nientemeno che Ennio Morricone. Beh, allora andate a vedere qui dove il povero ragazzino Wayne Newton interpreta Heart, ovvero l'originale. Ma in pochi lo sanno. Eppure il giovane Newton ha una vocetta graziosamente estenuata, di grande effetto. Ma non abbastanza da coprire la bomba-bonsai Rita che nel frattempo era già esplosa nell'immaginario adolescenziale: piccola, rossa, con le lentiggini da pel di carota e un vocione da monello arrabbiato.

Una cover fonte di polemiche è stata "Fila la lana" che è il lato B di un 45 giri di Fabrizio De André, il cui successo principale era "Per i tuoi larghi occhi". Fila la lana si riallaccia al repertorio trobadorico medievale francese ma è di Robert Marcy (paroliere e musicista) e il titolo è File la laine interpretata da Jacques Douai. Sulla vecchia copertina del disco di Fabrizio (che allora si presentava al pubblico senza il cognome) mancano i crediti , tant'è che fu accusato di plagio dai posteri. Del resto anche "Il Gorilla" era una canzone di Brassens, ma furono in molti a credere che fosse un "originale" di De André. Lui, lasciò fare.

Poi esplodono i miti e le icone della musica leggera, e si fa fatica a separarsene anche quando non sono stati poi così "meritevoli" e onesti nella loro carriera. Non è la prima volta che nell'inconscio collettivo e popolare, l'inganno supera la verità.

Amico Aspertini, Orbis Pictus

Tra i maggiori esponenti della scuola bolognese, Amico Aspertini, (1474-1552)
ottimo pittore non conosciutissimo, è attivo in epoca Rinascimentale, ma si distingue
grazie a uno stile personale ed eclettico:
nel suo repertorio entrano opere originali assai varie tra loro e talora un po' eccentriche.
Nasce a Bologna in una famiglia di pittori, è noto specialmente per pale d'altare, affreschi e decorazioni di facciate,
e non va dimenticato che fu per una ventina d'anni direttore artistico e architetto decoratore della Basilica bolognese.
Giorgio Vasari nelle 'Vite' ricorda l'incredibile rapidità tecnico-esecutiva di Amico, e la sua realizzazione del chiaroscuro
adoperando entrambe le mani contemporaneamente, con toni chiari in una mano e toni scuri nell'altra, e lo definisce 'uomo capriccioso e di bizzarro cervello'.

(Volta della Cappella della Croce nella Basilica di S. Frediano a Lucca)

Per l'eccessiva originalità di Amico, e l'infrazione delle norme del bello Quattrocentesco,
il Vasari non comprese appieno il talento del pittore, e dice anche di Amico:
"Costui, venuto finalmente in vecchiezza di 70 anni,
fra per l'arte e la stranezza della vita, bestialissimamente impazzò."
Sarebbe stato un piacere vederlo dipingere, in quella furia compositiva, magari condita con il caratter, già tipico del luogo.
Carlo Cesare Malvasia, nel suo "Felsina pittrice" ne parla
come di un artista irrequieto che mentre girava per tutta Italia "disegnava in certe vacchettine di carta pecora": si tratta di un primo riconoscimento nel 1678.
In realtà si deve attendere il grande critico Roberto Longhi negli anni '30 per avere una rivalutazione appassionata del pittore e dell'opera, che il geniale studioso inquadra in un'ottica antirinascimentale.
E il lavoro critico di Francesco Arcangeli, che vede Aspertini come protagonista
in una lunga linea diacronica di pittura geniale e 'dissidente' che parte da Vitale, poi il nostro, fino a Ludovico Carracci e Giuseppe Maria Crespi -
tappe di un'arte che spesso ha rifiutato la norma, per un primato dell'espressività.
Le figure di Amico possono essere non sempre "belle" secondo il Verbo Quattrocentesco,
prive di quella bellezza ultramundana, iperuranica e neoplatonica, ma di grande efficacia e carica espressiva, spesso nascondono a loro volta un simbolismo e più significati riposti.
L'Umanesimo e la classicità sono ancora presenti, ma in forma dissonante, più emotiva,
in un'epoca in cui l'Umanesimo e il Classicismo si avviavano al tramonto e il Manierismo stava per essere superato:
infatti l'Antico è presente, ma come in forma decadente (le rovine) e malinconica.
Tra i punti di riferimento ideali e i modelli di Amico ci sono elementi molto disparati:
l'eredità di Albrecht Dürer Bologna nel primo decennio del 1500)
le rovine romane, le antichità, la scuola 'concreta' bolognese,
la scena romana di pittori come Filippino Lippi
e Pinturicchio , contatti con Raffaello, Michelangelo, e
la suggestione a lui derivata dalle prime esplorazioni delle grotte della Domus Aurea.

Qui sopra:

- Santa Lucia pala Madonna con il Bambino e i Santi Lucia, Nicola di Bari e Agostino, tempera su tavola cm 273 x 226, Bologna Chiesa di San Martino Maggiore (notare a sinistra il personaggio di Santa Lucia, patrona della vista che ha in un piattino...gli occhi, oggetto del suo martirio) -

Con la maturità, i toni si fanno progressivamente più accesi, colorati, volutamente dissonanti,
la visione drammatica, fantastica e quasi espressionista.
Già ai primi del 1500 sperimenta forme di raffigurazione che possono rientrare nell'anticlassico,
quasi estreme per l'epoca: su tutte basti notare la sua Pietà del 1517
(tempera su tela cm 181 x 266, Cappella Garganelli in San Petronio, Bologna), eseguita con criteri visionari e in parte deformanti (dipinto sottostante)

Segnalo la mostra (e il sito apposito) a lui dedicata
a Bologna, Pinacoteca, 27 sett 2008-11 genn 2009.
Sono presenti 120 opere, che ricostruiscono anche il contesto culturale, l'humus,
e le varie direttrici ideali pittoriche dell'epoca,
con prestiti da musei americani ed europei;
itinerari organizzati (per gli affreschi) alla Chiesa di Santa Cecilia,
di San Giacomo Maggiore, di San Petronio, Collezioni Comunali d'Arte,
Chiesa di San Martino, Chiesa di San Domenico, Chiesa di Santa Maria della Vita,
e Rocca Isolani di Minerbio (3 sale affrescate). Visitare sito:
http://www.amicoaspertini.it/

Josh